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De Miguel Ángel a Picasso, pasando por Rubens y Degas, el arte erótico ha atraído la atención de muchos grandes maestros, cuyas obras son capaces de cautivar al observador de forma especial. A pesar de esta atraccion, o quiza precisamente debido a ella, el arte erotico nunca ha dejado de suscitar polemica y se ha tenido que defender en muchas ocasiones de comparaciones con la pornografia. Este libro, que engloba una gran variedad de estilos y tecnicas, guia a los lectores desde las primeras representaciones de escenas eroticas, que se remontan a los siglos XVI y XVII, hasta obras contemporaneas consagradas como los dibujos de los cuadernos de Picasso.

Las flores constituyen el elemento fundamental en la mayoría de las representaciones pictóricas de naturalezas muertas. Al trazar sus formas y colores, numerosos artistas desde Brueghel a O’Keeffe ha

El arquitecto y diseñador español Antoni Gaudí (1852-1926) es una importante e influyente figura en la historia del arte contemporáneo de España. El uso del color, la utilización de diferentes materiales y la introduccion de movimiento en sus construcciones fueron toda una innovacion en el terreno de la arquitectura. En su diario, Gaudi expreso sus propios sentimientos sobre el arte: los colores usados en arquitectura tienen que ser intensos, logicos y fertiles. El autor, Jeremy Roe, utiliza una amplia gama de detalles fotograficos y arquitectonicos que le permiten revelar el contexto del arte de Barcelona mientras nos introduce en el mundo de Gaudi, maestro de algunas de las mas famosas construcciones, objetos de diseño y grandes obras de la arquitectura española. Este libro ayuda a comprender a Gaudi y su legado.

El Impresionismo ha sido siempre uno de los estilos de arte preferidos por el público y las obras impresionistas continúan deleitando a los observadores con su asombroso juego de colores y formas. Este libro ofrece una cuidada seleccion de las obras mas fascinantes de artistas como Degas, Monet, Pissarro, Renoir y Sisley. El volumen de Mega Square Impresionismo rinde tributo a la popularidad de este movimiento y, con un formato practico y compacto, constituye un regalo perfecto.

Paul Gauguin fue primero un marino y luego un exitoso corredor de bolsa en París. En 1874 comenzó a pintar los fines de semana, como pasatiempo. Nueve años después, tras la caída de la bolsa de valores, se sintio lo bastante confiado en su habilidad para ganarse la vida pintando, que renuncio a su puesto y se dedico a la pintura de tiempo completo. Siguiendo el ejemplo de Cezanne, Gauguin pinto naturalezas muertas desde el principio de su vida artistica. Incluso poseia una naturaleza muerta de Cezanne, que aparece en el cuadro de Gauguin Retrato de Marie Lagadu. El año de 1891 fue crucial para Gauguin. En ese año dejo Francia y se marcho a Tahiti, donde permanecio hasta 1893. Su estancia en este pais determino su vida y trayectoria futuras, ya que, en 1895, despues de pasar una temporada en Francia, volvio a Tahiti para siempre. En Tahiti, Gauguin descubrio el arte primitivo, con sus formas planas y los colores violentos de una naturaleza salvaje. Con sinceridad absoluta, los transfirio a sus lienzos. A partir de ese momento, sus pinturas reflejaron este estilo: una simplificacion radical del dibujo, colores brillantes, puros y vivos, una composicion de tipo ornamental y una deliberada falta de contraste en los planos. Gauguin bautizo su estilo como simbolismo sintetico.

Marc Chagall nació en el seno de una familia judía sumamente estricta, para la cual la prohibición de la representación de la figura humana tenía la fuerza de un dogma. El no haber pasado el examen de admision de la escuela Stieglitz no evito que Chagall se uniera posteriormente a esa famosa escuela fundada por la sociedad imperial para el fomento de las artes, dirigida por Nicholas Roerich. En 1910, Chagall se mudo a Paris. La ciudad fue su segunda Vitebsk. Al principio, aislado en su pequeña habitacion de Impasse du Maine en La Ruche, Chagall encontro numerosos compatriotas a los que tambien habia atraido el prestigio de Paris: Lipchitz, Zadkine, Archipenko y Sutin, todos ellos destinados a mantener el aroma de su tierra natal. Desde su llegada, Chagall queria descubrirlo todo. Ante sus sorprendidos ojos, la pintura se le revelo. Aun el observador mas atento y parcial tiene dificultad, en ocasiones, para distinguir al Chagal parisino del de Vitebsk. El artista no estaba lleno de contradicciones, ni tenia una personalidad dividida, pero siempre era distinto; miraba a su alrededor y en su interior, asi como al mundo que le rodeaba y usaba sus ideas del momento y sus recuerdos. Tenia un estilo de pensamiento sumamente poetico que le permitia seguir un camino tan complejo. Chagall estaba dotado de una cierta inmunidad estilistica: se enriquecia a si mismo sin destruir nada de su propia estructura interna. Admiro la obra de otros y la estudio con inventiva, librandose de su juvenil torpeza, pero sin perder un solo instante su autenticidad. Por momentos, Chagall parecia mirar al mundo a traves del cristal magico, sobrecargado de experimentacion artistica, de la Ecole de Paris. En tales casos, se embarcaba en un sutil y serio juego con los diversos descubrimientos del fin de siglo y volvia su mirada profetica, como la de un joven biblico, para mirarse a si mismo con ironia y de manera pensativa en el espejo. Naturalmente, reflejo por completo y de manera extrema los descubrimientos pictoricos de Cezanne, la delicada inspiracion de Modigliani y los ritmos superficiales complejos que recordaban la experimentacion de los primeros cubistas (Vease Retrato en el caballete, 1914). A pesar de los analisis recientes que mencionan las fuentes judeo-rusas del pintor, heredadas o prestadas pero siempre sublimes, asi como de sus relaciones formales, siempre hay algo de misterio en el arte de Chagall. Un misterio que tal vez descansa en la naturaleza misma de su arte, en el que utiliza sus experiencias y recuerdos. Pintar es la vida, y tal vez, la vida es pintar.

La fotografía erótica ha perdido gran parte de su exquisitez desde que Playboy y otras revistas de destape le cambiaron el envoltorio al cuerpo humano para el consumo de las masas. Al igual que sucede con gran parte de la pintura, la escultura y los grabados, la fotografia tambien ha estado desde sus comienzos al servicio del erotismo. Esta coleccion recoge fotografias eroticas tomadas desde los albores de la fotografia hasta justo antes de la Segunda Guerra Mundial, explorando sus origenes en Francia y la evolucion del genero, incluido su periplo del recelo publico de sus inicios al extenso mercado del que disfruta hoy en dia. Este libro recoge a traves de sus imagenes los encantos femeninos del pasado y, con un formato de gran comodidad, constituye un regalo perfecto.

El arte del Ukiyo-e es la expresión artística de una civilización aislada que, cuando se convirtió en algo accesible para Occidente, influyó de manera significativa a un gran número de artistas europeos. Los tres maestros de este genero: Hokusai, Utamaro e Hiroshige, se reunen aqui por primera vez generando un verdadero marco de referencia del arte japones. Los tres artistas destacan ampliamente entre la produccion artistica nipona de todos los tiempos. Este nuevo titulo de la coleccion Prestige esta llamado a ser una referencia tanto entre estudiantes como entre amantes del arte japones.

Desde su muerte, hace 100 años, Cézanne se ha convertido en el pintor más famoso del siglo XIX. Nació en Aix-en-Provence en 1839 y el periodo más feliz de su vida fue su primera juventud en Provenza, en compañia de Emile Zola. Siguiendo el ejemplo de Zola, al cumplir los veintiun años, Cezanne se marcho a Paris. Durante la guerra franco-prusiana deserto de la milicia, y dividio su tiempo entre pintar al aire libre y estudiar. Al comerciante de arte Vollard le dijo: Solo soy un pintor. El ingenio parisino me fastidia. Lo unico que quiero es pintar desnudos en las orillas del Arc [un rio cercano a Aix]. Animado por Renoir, uno de los primeros en apreciarlo, exhibio con los impresionistas en 1874 y en 1877. Su obra fue recibida con desden, lo que lo hirio profundamente. La ambicion de Cezanne en sus propias palabras, era hacer del impresionismo algo tan solido y durable como las pinturas de los museos. Su objetivo era lograr algo monumental en un lenguaje moderno de tonos brillantes y vibrantes. Cezanne queria retener el color natural de un objeto y armonizarlo con las diversas influencias de luz y sombra que intentaban destruirlo; buscaba una escala de tonos que expresara la masa y el caracter de la forma. A Cezanne le gustaba pintar frutas porque se trataba de modelos pacientes y el trabajaba lentamente. No pretendia solo copiar una manzana. Mantenia el color dominante y el caracter de la fruta, pero subrayaba el atractivo emocional de la forma con un conjunto de tonos ricos y concordantes. En sus pinturas de naturalezas muertas era un maestro. Sus composiciones de vegetales y frutas son verdaderamente dramaticas; tienen peso, nobleza, el estilo de las formas inmortales. Ningun otro pintor logro darle a una manzana roja una conviccion tan calida, una simpatia tan genuinamente espiritual o una observacion tan prolongada. Ningun otro pintor de habilidad comparable reservo sus mas fuertes impulsos para las naturalezas muertas. Cezanne devolvio a la pintura la preeminencia del conocimiento, la calidad mas esencial de todo esfuerzo creativo. La muerte de su padre, en 1886, lo convirtio en un hombre rico, pero no por eso cambio su estilo de vida austero. Poco despues, Cezanne se retiro de forma permanente a su propiedad en Provenza. Probablemente se trato del mas solitario de los pintores de su epoca. Por momentos le atacaba una peculiar melancolia, una oscura desesperanza. Se volvio irascible y exigente, destruia los lienzos y los arrojaba fuera de su estudio, hacia los arboles, los abandonaba en los campos, se los daba a su hijo para que los cortara e hiciera con ellos rompecabezas o se los regalaba a la gente de Aix. A principios de siglo, cuando Vollard llego a Provenza con intenciones de adquirir todo lo que pudiera del material de Cezanne, los campesinos, que se enteraron de que un loco de Paris estaba pagando por aquellos viejos lienzos, sacaron de los graneros una considerable cantidad de naturalezas muertas y paisajes. El viejo maestro de Aix se sintio abrumado por la alegria, pero el reconocimiento le llego demasiado tarde. Murio en 1906 de una fiebre que contrajo mientras pintaba en la lluvia.

Nacido a mediados del siglo, experimentó en toda su fuerza el drama del Renacimiento y de su guerra con la religión. Las tradiciones y valores medievales se estaban desintegrando para dar lugar al ingreso de la humanidad en un nuevo universo donde la fe pierde parte de su poder y mucho de su magia. Sus alegorias favoritas fueron el cielo, el infierno y la lujuria. El Bosco creia que cada quien tenia que elegir entre dos opciones: el cielo o el infierno, y exploto con genialidad el simbolismo de un amplio rango de frutas y plantas para dar matices sexuales a sus pinturas.

“Al estudiar la naturaleza con pasión y con toda la independencia propia de su carácter, no podía dejar de combinar la precisión con la libertad y la verdad con la belleza. Es en esta emancipación fi

¿La fuerte vocación de Leonardo hacia la investigación científica le resultó una ayuda o un estorbo en sus logros como artista? Es común que se le mencione como un ejemplo de las posibilidades que existen cuando se unen las artes y las ciencias. En el, se dice, el genio activo recibio un nuevo impulso a traves de sus facultades analiticas; la razon reforzo la imaginacion y las emociones. [] Profundo conocedor y creador incomparable, es el unico hombre en la historia de la humanidad que ha penetrado en la belleza mas resplandeciente y que ha unido la ciencia de Aristoteles con el arte de Fidias.

Si el alma es un concepto cristiano, la belleza es un concepto griego. Freud definió la estética como la construcción intelectual de los parámetros personales que se expresan en emociones sublimes. En la escultura griega, el hombre se vuelve Dios, y los dioses le prestan su imagen a la humanidad. Al desafiar las leyes de la gravedad, los escultores griegos exploraron la armonia, las formas y los espacios que modelaron nuestro inconsciente de acuerdo con los canones de la belleza eterna durante mas de dos mil años.El historiador del arte Edmund von Mach reflexiona sobre la historia epica de como la mano del hombre llego a transformar el marmol en obras de arte, arte que contribuyo sustancialmente al legado permanente de las civilizaciones.Esta obra es un estudio de la escultura griega entre los siglos VII y I antes de Cristo, basado en un examen extensivo de la iconografia y presentado como un texto erudito, aunque accesible para todos.

Pancho el Pitbull es una historieta humorística infantil que cuenta la historia de un humano llamado Tato, que decide adoptar un perro pitbull del refugio, a quien llama Pancho. Desde entonces sus vidas cambiaron para siempre: Pancho debera aprender a vivir entre humanos, mientras que Tato tendra que adaptarse a la vida con una mascota. Posteriormente la familia se agranda, cuando ambos deciden adoptar un nuevo perro, el cachorrito Pildorito, y entonces Pancho debera aprender a comportarse como el hermano mayor del recien llegado. La serie de libros Pancho el Pitbull comenzo a publicarse en 2015 editada de forma independiente por el guionista y dibujante Nicolas Peruzzo, basado en conceptos creados Junto a Neal Wooten. Los cinco libros autopublicados de Pancho el Pitbull se han convertido en la historieta uruguaya mas vendida de la ultima decada. Pancho el Pitbull: un nuevo comienzo es el sexto libro de la serie, publicado por Editorial Planeta.

Tres novedosas propuestas teatrales componen este libro, muy diferentes entre sí pero reunidas en torno al tema universal de la culpa y las diversas formas en que esta se agencia según tiempo y circunstancias. Dirigidas tanto a quienes trabajan directamente con la escena como al lector en general, Jorge Herrera nos ofrece estas tres piezas, desafiando nuestra imaginacion y nuestras capacidades interpretativas y creadoras.

Este libro se plantea tres objetivos principales. En primer lugar, pretende exponer de la manera más divulgativa posible, pero sin excluir la evaluación crítica, la evolución histórica tanto del pensamiento sistemico como de los estudios del futuro.Un segundo objetivo es plantear y presentar un modelo conceptual que explique el funcionamiento sistemico de la ciudad, para lo que se ha huido de los modelos cuantitativos repletos de algoritmos matematicos. El fin de este modelo no es reproducir con precision matematica las dinamicas urbanas, sino proporcionar un instrumento de trabajo o de juego segun se conciba que permita esbozar con facilidad las situaciones cambiantes que experimenta la ciudad, asi como determinar las implicaciones mas relevantes de los cambios en sus sistemas funcionales.El tercer objetivo es acercar el pensamiento sistemico al mayor numero de profesionales, estudiosos, alumnos y grupos de interes urbanos con el afan de informarles y concienciarles de la utilidad de afrontar los retos urbanos con mentalidad sistemica. Este trabajo se ha concebido en el ambito academico, por lo que se ha realizado un esfuerzo por utilizar de manera coherente la terminologia sistemica para analizar y debatir los conceptos centrales aqui tratados.El libro esta organizado en dos grandes partes: una divulgativa y otra propositiva. La primera parte esta dedicada a revisar las principales aportaciones realizadas al pensamiento sistemico y a los estudios del futuro, tanto a nivel general como en el ambito urbano. En la segunda parte se analiza la utilidad de los modelos conceptuales para abordar e interpretar los sistemas complejos, concretamente las ciudades.La presentacion corre a cargo del profesor Pablo Martin Ciriquian, catedratico de Urbanistica y Ordenacion del Territorio de la Universidad de Alicante.

"A mi infancia la recuerdo como preciosa y triste a la vez. Durante esos años, mi madre lidiaba con un pánico inconfesable de que mi hermano o yo, o ambos, fuéramos homosexuales. Claro que no lo decía abiertamente, era mas bien algo que flotaba en el aire. Alcanzaba para poder intuirlo y, por lo tanto, para que duela".Este fragmento en el que Ricky Pashkus se refiere a su niñez marca el tono que eligio para contar su vida. Una vida que lo tiene todo: sainete, comedia y drama. Con sinceridad brutal y humor, el autor entrelaza recuerdos de infancia, aventuras adolescentes en los margenes, postales de una Buenos Aires opresiva y peligrosa, con el sorprendente y poco convencional recorrido que lo llevo a convertirse en un destacado coreografo, director y maestro de artistas. El viaje que le propone al lector es cautivador porque abunda en anecdotas que dan cuenta de su vinculo con personajes notables como Julio Chavez, Cecilia Roth, Hugo Midon, Oscar Araiz, Tato Bores y Julio Bocca, entre muchos otros. Una invitacion que incluye valiosas reflexiones sobre sus deseos y pulsiones explorados a traves del psicoanalisis, sus actos kamikazes, la construccion de su "fe infinita", mientras transitaba por distintos escenarios: el under, la television, el Teatro Colon o las super-producciones. Al mismo tiempo que narra sus fallidos intentos por ser actor y su accidentada carrera como bailarin, en su relato puede verse al Pashkus docente, que busca establecer un dialogo constante con sus alumnos para darles algunas claves. Una serie de valiosas lecciones aprendidas acerca de la relacion con la camara, la mirada del otro, la autogestion, el exito y el fracaso, la ambicion, los dones y el talento.

Eva Perón, una de las personalidades más fascinantes de la historia argentina, también es un ícono en la historia de la moda. El estilo de Evita es inconfundible y se fue desarrollando en cada una de las etapas de su corta pero intensa vida artistica y politica. Explorar el vinculo entre Eva y la moda es entender una parte fundamental de la construccion de su mito. En sus diversos capitulos, Evita frente al espejo repasa los vinculos con el diseñador Paco Jaumandreu, la extraordinaria gira por Europa de 1947 y la fortuna de la coleccion de trajes populares españoles que le fueron obsequiados en esa ocasion. Eva estuvo en el centro del surgimiento y de la expansion de la alta costura luego de la Segunda Guerra Mundial y fue clienta especial de diseñadores como Christian Dior, Jacques Fath o el zapatero Salvatore Ferragamo. Esta vinculacion con el lujo, las ropas, las joyas y los accesorios ha sido vista por sus detractores como una contradiccion frente a su discurso y accion social pero en escasas ocasiones se la ha valorado en el contexto del sistema de la moda del momento. Eva y su entorno hicieron un notable uso politico y comunicacional de la moda. Este volumen transita tambien la complejidad de las relaciones entre la apariencia, el discurso peronista y la figura del descamisado, junto con la construccion de la imagen publica de Eva.

Vestir de luz y expresar emociones a flor de piel a través del cuerpo y la imagen. Así define Antonio Garci la fotografía de desnudo artístico, cuyos fundamentos técnicos y estéticos condensa en este nuevo libro colmado de ejercicios, teoria e inspiracion. La fotografia de desnudo artistico habla del cuerpo humano, de su fragilidad y su resistencia, de lo sutil de un gesto y de la fuerza de una mirada. Habla de la libertad, del poder, del sexo, del amor, de la soledad y la belleza. Y lo hace de una forma tan clara porque cumple el mayor principio del poder de la imagen: cuando quitas todo lo que sobra, lo que queda es la verdad.Si te adentras en las paginas de este libro, aprenderas como dar tus primeros pasos en la fotografia de desnudo artistico, la busqueda y la comunicacion con los modelos, las guias de pose, esquemas de iluminacion y claves esenciales para lograr imagenes sutiles, sensuales y elegantes, utilizando la luz para crear, el trato humano para transformar y la vision para encontrar tu estilo personal.

Aunque los humanos pasamos la mayor parte de nuestro tiempo en espacios interiores, estos siguen siendo en gran medida desconocidos por nosotros. ¿Cómo es la arquitectura y diseño de este universo interior? ¿Que ecosistemas contiene y como nos integramos en ellos? ¿De que manera estos paisajes interiores influyen en nuestros pensamientos y comportamientos, en nuestras relaciones sociales, salud y bienestar? Estas son las preguntas que han guiado a Emily Anthes en este libro. Basandose en una amplisima variedad de investigaciones pioneras en distintos campos cientificos, se adentra en todo tipo de espacios interiores: el ecosistema microscopico de bacterias y hongos que habitan nuestras casas; hospitales y quirofanos diseñados para minimizar los errores medicos; escuelas concebidas para promover la actividad entre los niños; prisiones construidas para atender las necesidades psicologicas de los reclusos; oficinas cuyo diseño mejora el rendimiento y relaciones de los empleados; edificios inteligentes que monitorizan nuestra salud; casas flotantes anfibias que podrian ayudarnos a sobrevivir al cambio climatico. Incluso aborda los domos que podriamos construir en Marte y la Luna. Descubre asi como mediante una arquitectura y diseños cuidadosos y atentos podemos mejorar muchos aspectos de nuestra vida, ya que aunque somos el resultado de nuestro entorno, no tenemos por que ser victimas de el. Emily Anthes es una periodista cientifica en The New York Times. Ha publicado, ademas, los libros Frankensteins Cat (2013) e Instant Egghead Guide: The Mind (2009).