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El tejido antiguo, desde el período cretomicénico al Bajo Imperio romano, alcanzó unos niveles técnicos nunca igualados en tiempos posteriores. Los hilos confeccionados con delicadísimas fibras de lana o seda a los que se unian los increiblemente finos hilos de oro eran el signo identificador de riqueza y poder de la reducida aristocracia homerica y posteriormente grecorromana. Las clases emergentes del periodo imperial romano pretendieron acercarse externamente a la estetica propia de la aristocracia y, al mismo tiempo, diferenciarse de la plebe. El plagio de materias lujosas fue muy habitual en este periodo. Tintes como la renombrada purpura de Tiro se imitaron en Grecia y Egipto durante el periodo helenistico, alcanzando el fenomeno cotas elevadisimas en epoca imperial romana. Asimismo, los finos hilos de oro se fabricaban con materiales de menor valia. Las fibras eran teñidas en amarillo o eran recubiertas con fina piel o metales dorados para imitar el oro. La presente monografia analiza criticamente los papiros y tratados alquimicos del Egipto romano que prescriben como hacer estos falsos tintes y sucedaneos de los hilos de oro. Los resultados eran tecnicamente tan buenos que se promulgaron prohibiciones e impusieron multas a aquellos que elaboraban o vendian fraudulentamente estas mercancias.

La conmemoración de los 60 años del Teatro Experimental de Jalisco es el motivo para recordar la importancia del teatro en la sociedad, ya que los escenarios y las artes escénicas han servido siempre para dar voz, se han utilizado como vehiculo sin censura para expresarse y crear espacios de libertad. Tras seis decadas de operacion, este teatro mantiene su mision como un espacio para albergar diferentes voces, diversas expresiones artisticas y para todo tipo de publico. Justamente de ello trata este libro: de la huella que ha dejado este recinto en su comunidad a partir de explorar su trayectoria y conocer la experiencia de quienes lo han vivido.

Fascinación, glamour, seducción... Pocas figuras eran comparables a las estrellas de cine durante los años cuarenta y cincuenta, cuando el séptimo arte era el gran medio de entretenimiento de masas. En especial, las actrices, que gozaron de una popularidad y un carisma que las convirtieron en instrumento de creacion de identidades para muchas seguidoras. España tambien conto con su propia constelacion. Sin embargo, en un contexto de precariedad y represion moral, estas mujeres no se ajustaban al ideal de feminidad que la dictadura franquista intentaba imponer al conjunto de españolas. Se constituyeron, pues, en modelos heterodoxos que suponian un desafio a los codigos normativos de genero, ya que no representaban los preceptos de domesticidad y maternidad, subordinacion al varon, recato... El presente libro muestra como, a traves de las peliculas que protagonizaron y de sus apariciones en los medios de comunicacion, se construyo su imagen como estrellas. Una proyeccion que a menudo resultaba incomoda para el regimen, que trato de resignificar o silenciar aquellos aspectos inconvenientes. Tres actrices encarnaron bien este desafio: Amparo Rivelles, Sara Montiel y Conchita Montes. Empoderamiento y resiliencia permitieron a la primera conducir su vida por los margenes de las convenciones sociales; Montiel fue la primera sex-symbol del franquismo, y Montes, una mujer intelectual que expreso reivindicaciones feministas. Cada una a su manera pusieron en evidencia las contradicciones y tensiones provocadas por las politicas de genero franquistas.

A través de Van Gogh, Caravaggio o la fotógrafa Tina Modotti, entre otros, Alberto Manguel nos despierta en este libro al mundo de las imágenes. En un texto salpicado de anécdotas, vivencias, referencias religiosas y literarias, traza vinculos y nexos entre obras maestras y trabajos de artistas menos conocidos y nos descubre ciertas tradiciones iconograficas. Llama la atencion sobre determinados detalles, nos enseña a leer lo que se ve, a mantener una relacion interactiva al margen de comentarios, criticas, errores o prejuicios adquiridos. Leer imagenes es una invitacion a que cada uno tengamos nuestra propia vision de una obra, a proyectar en ella y recibir sentimientos y evocaciones, a tomar posesion del universo y a que cada uno haga su propia lectura del mismo.

Al momento el unico libro sobre la vida y el arte de Ferrante Gorian, arquitecto paisajista que trabajò en Uruguay y Italia.

La aparente contradicción entre las palabras proyectar e incertidumbre revela la tensión conceptual que caracteriza a estas páginas. De un lado, proyectar es un trabajo de previsión y anticipación, cuyo objetivo es la construccion de un edificio que esta pensado para permanecer a lo largo del tiempo. Por otro lado, la incertidumbre apela a la imposibilidad de prever, a la falta de certezas y a lo inesperado. La necesidad de busqueda de un acuerdo entre estos dos objetivos irresolubles, define la intencionalidad y el marco discursivo del libro, situando la ambivalencia como el termino que define la posicion por la que se toma partido, habitando el espacio entre los opuestos duales. La incertidumbre es compañera de viaje de la vida de los edificios, y su permanencia en el tiempo esta atravesada y condicionada por acontecimientos sociales, politicos y fenomenologicos, aspectos que superan la propia actividad y el campo de influencia del proyectista. La disposicion proyectual por hacer que el hecho arquitectonico interactue y medie con y para estos factores de dimension circunstancial, relativa y cambiante, implica acoger lo imprevisto y desconocido -la incertidumbre- como base del pensamiento, dibujo y construccion de la arquitectura. Bajo estas premisas, el proyecto de arquitectura se convierte en una actividad de construccion de relaciones, donde la distribucion de un edificio ya no busca una buena funcionalidad y adecuacion de un programa de usos, sino un espacio con agencia para evocar y resonar en canales de interpretacion y percepcion en la experiencia del habitar. Se presume asi, que la problematizacion de la relacion entre la arquitectura y la incertidumbre cuestiona ciertas estructuras de la disciplina arquitectonica y de la actividad de la profesion. Proyectar la incertidumbre propone adentrarnos en un debate que articula otros fundamentos de la arquitectura; cuestiona la autoria sobre el edificio, critica la monumentalizacion del patrimonio arquitectonico, emancipa la arquitectura de la vision objetual y sustituye la funcion por la experiencia, incorporando la dimension corporal, afectiva, cinetica, mulitsensorial y performativa al proyecto de los espacios. Con todo, esta propuesta tiene vocacion de avanzar en la responsabilidad y conciencia del proyectista con respecto a la arquitectura y la relacion de esta con el paso del tiempo, para asi, abrir una via para renovar sus bases y vocabulario matriz.

Una sagaz reflexión sobre el arte y su función en tiempos de pandemia, confinamiento, crisis climática y manipulación de la verdad. ¿Puede el arte dar a ver lo que no vemos? Este libro confía en la potencia inagotable del arte para volver visible la invisibilidad resistente de dos amenazas que se ciernen sobre el hombre y el planeta en el siglo XXI: el descalabro ambiental y la inmersion cada vez mas inquietante en un mundo digitalmente administrado. Graciela Speranza buscaba respuestas en la literatura y el arte contemporaneos cuando la pandemia de la covid-19 no solo acelero la comunicacion virtual, el control y la vigilancia, sino que en las ciudades desiertas nos enfrento con un atisbo de un futuro posible, un mundo sin nosotros.Pero ¿que puede decir el arte en medio de la catastrofe? De la montaña de abetos que Agnes Denes planto en Finlandia y los conciertos aracnocosmicos de Tomas Saraceno a las novelas fragmentarias de Olga Tokarczuk y Jenny Offill y los ensayos breves de Karl Ove Knusgard, de la telefotografia de Trevor Paglen y los videos de Hito Steyerl a las reconstrucciones agudas de Forensic Architecture o Agustin Fernandez Mallo, el arte y la literatura desvelan, recomponen, reconstruyen y, en el intento, renuevan sus medios.El resultado del recorrido es una sagaz reflexion sobre el mundo contemporaneo y el sentido del arte de hoy, una lente privilegiada para cambiar la escala y recalibrar nuestro lugar en el planeta, para volver a mirar las cosas, correr el velo que las opaca.

Adéntrate en la vida del divino Miguel Ángel a través de las claves arcanas y los insondables misterios que surcan los pliegues de La Pietà, en la turbadora mirada de Moisés, en la perfecta mano del

Adolphe Appia, es el artista visionario que impulsa el cambio de la concepción escenográfica del siglo XX. Un estudio pormenorizado de su obra equivale a un análisis en profundidad de los fundamentos de la escenografia moderna. Propicia un cambio tan significativo para la plastica teatral, una revolucion que sustituye la narrativa pictorica de los decorados teatrales por efimeras arquitecturas de luz y sonido.

La técnica de montaje se emplea en el cine debido a su eficacia para producir reales ilusiones. Nadie protesta en la sala porque la película salte bruscamente de una escena a otra. Dejamos que la imaginacion ponga lo que falta y comprobamos, aunque sea de manera inconsciente, que la y uxtaposicion de fragmentos filmados favorece la unidad y el significado de la pelicula. Pero el montaje se emplea igualmente, con los mismos efectos, en el resto de las artes, incluida la arquitectura.Se suele pensar que los montajes del arte surgieron a principios del siglo XX de la mano de Picasso y los surrealistas. Se acepta que la tecnica de montaje es un invento moderno. Es faci descubrir, sin embargo, la existencia de montajes significativos en otras epocas y culturas, lo cuall permite sospechar que el montaje no es un modo reciente del arte, sino un modo original y universal de la representacion que se mantiene vivo en nuestros dias.

Se intenta aquí desarrollar ideas que faciliten la comprensión de la contemporaneidad del historicismo arquitectónico con su tiempo. Lo que no apunta a una justificación, a un elogio o a una disculpa. Solo se busca comprender un acto aparentemente desatinado. A pesar de sus ganas de revivir el pasado, el "juramento de los Horacios" seguira siendo una pintura de fines del siglo XVIII y la iglesia de La Madelaine, un templo tipico de principios del 1900. Ninguno de los dos sera romano o griego segun las preferencias de sus autores. Este ensayo intenta, no sin temeridad, arrimar respuestas al problema de esa contradiccion.

El actual gusto por la irregularidad, en arquitectura, procede del viejo gusto por lo pintoresco. Enfrentado en ocasiones al gusto por la regularidad, es completamente ajeno, sin embargo, al gusto por el desorden. Ocurrio que las pinturas de paisajes realizadas en el siglo XVII demostraron, en el XVIII, que la belleza no dependia solo de la regularidad. Entonces se descubrio que los distintos elementos del cuadro se podian conciliar, procurando el equilibrio del conjunto, sin renunciar al contraste y la variedad. En poco tiempo la pintoresca irregularidad de los paisajes pintados se traslado al diseño de jardines y edificios, representando la libertad natural y la honestidad, privacidad y funcionalidad.La libertad del artista creador, que configuraba sus edificios sujetandose supuestamente a los usos, se enfrentaba a los limites de la forma. La funcion debia siempre imponerse.

La palabra composición, que en lenguaje corriente se aplica a ciertas artes, se convierte en un término impreciso cuando se refiere a la arquitectura. Cualquier persona tiene una idea de lo que es una composicion musical, pictorica o literaria, pero la misma persona dudara si es preguntada acerca de la composicion arquitectonica. Para decir com-posicion, los griegos decian syn-tesis. Ese espiritu de sintesis condujo a los artistas modernos a presentar, a traves de sus obras, la esencia universal de las cosas.Hoy sabemos que los maestros modernos, sin excepcion, conocian los principios de la composicion academica. Sabemos, ademas, que esos principios les sirvieron de referencia para sus creaciones libres.Un breve repaso a sus dibujos y proyectos de juventud es suficiente para comprobar que la libertad y originalidad de sus obras se fundamentaba en una solida formacion.Despues, mostrando que la imitacion es el fundamento de toda consciencia y, por tanto, de la forma y la originalidad.

En los años 60 se definía una disciplina científica, la "Arqueología industrial" cuya finalidad "es el descubrimiento, la catalogación y el estudio de los restos físicos del pasado industrial para conocer a traves de ellos aspectos de las condiciones del trabajo, de los procesos tecnicos y de los procesos productivos". La nueva disciplina adopta la metodologia de la Arqueologia para investigar, analizar, interpretar, registrar y preservar los restos industriales. Se entiende como industrial toda actividad productiva cuyos vestigios materiales consisten en edificios, instalaciones, maquinaria e infraestructuras.Esos elementos no se estudian aisladamente sino, segun el metodo arqueologico, en su contexto que constituye la estructura historica de un territorio, una estructura social, un determinado proceso de produccion, un concreto sistema tecnologico. La Arqueologia industrial habia de darnos una vision amplia y totalizadora de la industrializacion o la era mecanica de la produccion capitalista, de sus significados y sus consecuencias. Con ella se establecia "una determinada organizacion de la produccion y una complejidad tecnologica creciente, surgia un nuevo tipo de fabrica y de vivienda, se definia el "edifico funcional". Se habia llevado a cabo la gran transformacion de la imagen de las ciudades con la instalacion de las nuevas actividades y la construccion en gran extension de vivienda obrera en la periferia de la ciudad burguesa

Dentro del complejo saber de la naturaleza y del intricado universo del ser humano, este libro deja como reto la busqueda de un equilibrio entre nuestras acciones y el entonrno que habitamos para garantizar la armonia en el planeta que compartimos. Pero principalmente este libro lanza el desafio para la busqueda de un espacio perdido, el espacio que nos pertenece como seres vivos, esos espacios bilogicos de los cuales carecemos, huerfanos del espacio que nos es propio como organismos vivos.

Este libro se acerca a la cuestion del metodo en arquitectura focalizando su analisis principalmente en 5 obras concretas del panorama contemporaneo, tratando de desvelar las motivaciones ultimas que las constituyen. KAZUYO SEJIMA (+ Nishizawa + SANAA), Casa en un Huerto de Ciruelos en Tokio. FRANK O. GEHRY, Walt Disney Concert Hall en Los Angeles. ALVARO SIZA, Museo Mimesis en Paju Book City. REM KOOLHAAS, La Embajada de Holanda en Berlin. PETER ZUMTHOR, Museo Kolumba en Colonia. El objeto y la obra arquitectonica se consideran asi los elementos susceptibles de ofrecer el conocimiento material que permite desentranar el modo y la metodologia por el que estos han sido concebidos. Con esta particular aproximacion se desafian los tradicionales estudios que han comprendido al metodo como una sistematica universal o reglada, ya que en este caso el proposito consiste mas bien en esclarecer los fundamentos y principios que subyacen a cada objeto arquitectonico mas especifico. Por su parte, el Epilogo muestra una complementariedad al caracter especifico de los capitulos previos, ya que se atreve a avanzar con cierta voluntad conclusiva hacia la definicion de los principios mas sustanciales del metodo en arquitectura hoy. Este trabajo se diferencia de las investigaciones cientifico-historicas. Teniendo a estas como soporte, este estudio abre el camino a futuras investigaciones focalizadas especificamente en el metodo de proyectos en arquitectura

Este libro, el primero de mi colección "Metodologías y Procedimientos de la arquitectura". es muy interesante por varias razones. En primer lugar por el título, que yuxtapone dos campos en apariencia muy disimiles, dos heterogeneidades; una disciplina, la arquitectura y una enfermedad, la de Alzheimer. En segundo lugar por la autora, Debora Di Veroli, un arquitecta con una vastisima obra en la practica profesional que ha tomado nuevos brios, estudiando las formas en que se relacionan la arquitectura con la tercera edad, con el envejecimiento o con las demencias y escribiendo sobre estos temas. Temas que tiene profundos lazos dentro de la disciplina y de la sociedad.

El contenido de este libro es una colección de textos breves escritos por el profesorado de la Escuela de Arquitectura de Cataluña, relacionados con actividad docente extraordinaria: seminarios, laboratorios, masters y doctorados y con la ordinaria: asignaturas y talleres de grado, todos estos textos apuntan a ser compartidos con la comunidad intelectual y amigos de la Arquitectura

Las hipótesis de este trabajo resultan del relevamiento de diversos flujos topográficos urbanos, que instauran una plataforma de acción para posibles y futuras planificaciones sobre el complejo sistema de accesibilidad e intervenciones, tanto en sus aspectos fisicos urbanisticos como de interaccion e impacto social.

Desde hace ya varias décadas, el déficit habitacional y la calidad del hábitat son un desafío constante para los arquitectos, urbanistas y los planificadores. Las grandes ciudades están siendo afectadas por un crecimiento indiscriminado de la poblacion que se ubica espontaneamente y con frecuencia en situacion precaria, en la periferia o en los intersticios de los nucleos urbanos. Es evidente en las ciudades latinoamericanas debido al nivel de pobreza de sus sociedades y la brecha de clases sociales.