eBooks de Artes Escénicas, página 14 de 169

La danza ha formado parte de la humanidad desde el inicio de los tiempos, tomándose como una manifestación artística y cultural de los pueblos y ciudades. Desde los orígenes de la humanidad las personas buscaron medios de comunicacion y de manera general lo podian hacer mediante movimientos corporales manifestando asi una capacidad creativa de comunicacion, de tal manera que a traves de la danza se pudiera expresar la propia identidad, todo aquello que se siente, lo que se ve o escucha traduciendose esto ademas en una manifestacion infinita de la mente y el espiritu para expresar lo que resulta dificil utilizando la comunicacion oral y escrita. Si trataramos los beneficios que la danza puede aportar a las personas, podriamos destacar varias perspectivas. Desde el punto de vista biologico, podemos determinar la danza como una necesidad del cuerpo que le aporte soltura y aptitudes motoras. Desde una perspectiva social, destacar el desarrollo de habilidades sociales y el estilo propio de cada uno de los involucrados en la danza, a esto debemos sumarle su herencia cultura que identifica a cada persona y la hace sentirse propia de un estado, ciudad o pueblo. Por ultimo, y no menos importante la perspectiva psicologica, en la que varios autores encontraron que los tratamientos psicologicos brindados por proveedores no especializados, en paises de bajos y medianos ingresos, constituyen un proceso innovador, pero tambien con efectos moderados a fuertes en la reduccion de los trastornos mentales comunes en poblacion adulta como la depresion, la ansiedad y el estres postraumatico.

Novedoso en su contenido, este libro destaca por la estricta adecuación de sus conceptos como fundamento para edificar las actividades prácticas (ejercicios dramáticos creados sobre bases lúdicas) y la congruente propuesta para abordar la evaluacion. Su alineacion con las orientaciones fundamentales de la reforma educacional en el plano metodologico, evaluativo y de incorporacion de los objetivos transversales le otorga una actualidad relevante. Esta obra esta destinada a usarse durante clases en establecimientos educacionales, en actividades realizadas en centros culturales y a servir de ayuda en procesos terapeuticos.

Hablar del entrenamiento vocal del actor es hablar de la condición humana. De esto sabe Kristin Linklater, creadora del método conocido como freeing the natural voice. A pesar de desobedecer la sugerencia de su maestra en cuanto a nunca escribir sobre el tema, porque cada individuo que experimenta con su voz y cada clase, son experiencias unicas, Kristin comprendio que habia de compartir su vasto conocimiento sobre la voz hablada del actor y articulo en un libro ese trabajo que hasta la fecha, pone en practica como maestra de teatro en la Columbia University de Nueva York. Antonio Ocampo Guzman, actor, director y maestro colombiano radicado en Boston, nos trae ahora el libro la libertad de la voz natural-el Metodo Linklater, unico autorizado por Kristin en español, porque no es solo la traduccion de un material, sino el resultado creativo y enriquecedor, fruto del trabajo que este maestro ha desarrollado y adaptado con los estudiantes de habla hispana, bajo la premisa de que liberar la voz es liberar a la persona y toda persona es indivisiblemente, mente y cuerpo. Para iniciar su labor docente en 2006, el CEU introdujo en Mexico este metodo que desde hace cuarenta anos es ya parte indispensable de la curricula de escuelas de teatro en Estados Unidos y Europa.

María Teresa Gil Ogliastri creó y desarrolló una metodología de trabajo denominado NEUROTANGO, basado en su Tesis de Posgrado en Danza Movimiento Terapia de la Universidad Nacional de las Artes: "Aportes del Tango en el Contexto de DMT para la interaccion social de adultos con discapacidad intelectual, visual y motora". NEUROTANGO utiliza los solidos fundamentos de la Danza Movimiento Terapia (DMT) como encuadre terapeutico, y conecta los aportes de la danza social del Tango con el concepto de la Neurodiversidad, el cual mira las maravillosas capacidades que se esconden detras de las discapacidades con el objetivo de modificar la Interaccion social/comunicacion. NEUROTANGO desde el año 2015 se ha presentado en innumerables Congresos, Encuentros y Milongas de Buenos Aires. Actualmente NEUROTANGO es un Taller de Extension Universitaria de la Universidad Nacional de las Artes UNA-Departamento de Folklore y ha sido declarado "Proyecto de Interes Cultural de la Ciudad de Buenos Aires" por el Ministerio de Cultura-Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires-Argentina. Beneficiando de esta manera a las personas con Neurodiversidad, las cuales merecen tener actividades artisticas con formatos accesibles y una verdadera inclusion a la comunidad, bienestar y calidad de vida. CV: Maria Teresa Gil OgliastriPsicologa de la Universidad Central de Venezuela. Posgrado en Danza Movimiento Terapia Universidad Nacional de las Artes de Buenos Aires (UNA) con tesis titulada: "Aportes del Tango en el Contexto de DMT para la interaccion social de adultos con discapacidad intelectual, visual y motora". Bailarina de Tango Argentino. Titular de Talleres de Danza Movimiento Terapia/Tango en centros de salud para personas con trastornos del desarrollo en Buenos Aires-Argentina. Autora y fundadora NEUROTANGO: Taller de Extension Universitaria de la Universidad Nacional de las Artes. Ganadora del premio por NEUROTANGO: Proyecto de Interes Cultural de la Ciudad de Buenos Aires, Ministerio de Cultura Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires, Argentina año 2017.

Este relato fotográfico ilustra el tema del Flamenco de calle de manera subjetiva y narrativa. Tuve la suerte de ser aceptado por dos cuadros de artistas maravillosos en Granada. « Una buena y origin

Sonia Abadi recorre los múltiples espacios vinculados con el tango dejando en ellos su inconfundible señal. Desde la escritura, el canto y el baile, su minuciosa observación y creatividad atraen la atencion tanto de los amantes del tango como de quienes sin conocerlo empiezan a relacionarse con el. En este libro cuenta la experiencia de bailar tango en Buenos Aires. Describe el fenomeno sociocultural, la relacion hombre-mujer y la pasion por el baile.

Este es un libro dedicado al estudio del teatro de creación colectiva en Colombia. De manera particular propone el análisis y la interpretación de un conjunto representativo de obras creadas por los dos grupos que, en los años 1960-1970, fueron la vanguardia de este movimiento teatral: el Teatro Experimental de Cali, TEC, dirigido por el maestro Enrique Buenaventura, y La Candelaria de Bogota, bajo la direccion del maestro Santiago Garcia. Su novedad consiste en leer estas obras desde una metodologia sistematica, la dramatologia, poniendo en evidencia la dramaturgia de sus textos, sin desconocer las circunstancias de su representacion.Han pasado algo mas de treinta años desde el estreno de estas obras y muchas de ellas se han vuelto a representar en un contexto historico enteramente diferente del que les dio origen. Algunas parecen desfasadas con respecto a la realidad de hoy. Los debates ideologicos, la dialectica de los conflictos en que se inspiraron, no son ahora los mismos. No obstante, la creacion colectiva en la que se modelo esta dramaturgia sigue teniendo en Colombia una presencia indiscutible, sigue siendo el referente de muchas agrupaciones y de muchos procesos socioculturales. Este libro quiere recordar y revalidar estas obras y este movimiento como un hecho central de la historia del teatro moderno colombiano.

El trabajo del actor sobre su papel continúa y cierra el ciclo iniciado con los otros dos libros de pedagogía teatral de Stanislavski. Los conceptos y argumentaciones expuestos de forma genérica en los volumenes anteriores se concretan aqui en casos practicos referidos a tres obras que dirigio el autor en el Teatro del Arte de Moscu: La desgracia de ser inteligente de Aleksandr Griboiedov, Otelo de William Shakespeare y El inspector de Nikolai V. Gogol. Puede decirse que, de la trilogia, este es el libro que de manera mas concreta y practica ayuda a los actores en su trabajo.

¿Por qué se pretende que la actuación sea una mera copia de lo real? ¿Podemos concebir la técnica como construcción de algo que no es ni calco, ni forma preconcebida, ni algo existente antes de que el actor lo construya?Los encuadres teoricos que se proponen este libro sirven para comprender los principios tecnicos de una pedagogia que mira a la recuperacion de la esencia. El actor no debe aprender una tecnica interpretativa para tener razon, sino para poder crear sin traicionarse.

Dickens, cuando contaba con tal solo veinticinco años y todavía firmaba como Boz, recibió el encargo de escribir las memorias de Joseph Grimaldi, el famoso clown, a partir de la propia autobiografía que el payaso habia dejado escrita poco antes de morir. Grimaldi fue el payaso britanico mas importante del siglo XIX y, por que no, de todos los tiempos, hasta tal punto que su "nombre de guerra" ( Joey) se usa todavia en Inglaterra como sinonimo de clown. En sus casi cincuenta años de carrera, Grimaldi trabajo en teatros hoy miticos como el Sadlers Wells, el Drury Lane o el Covent Garden, por lo que su biografia ofrece tambien un panorama del teatro britanico a comienzos de 1800.A caballo entre el documento testimonial y la novela, lo que esta claro es que estas Memorias, traducidas y anotadas por el escritor Eduardo Berti, no son solo un documento excepcional de la epoca, sino que en ellas esta esa sabia mezcla de humor y de horror y esa tendencia a la exageracion que han hecho de Dickens uno de los autores mas admirados de la historia de la literatura.

En este libro, el lector encontrará numerosas técnicas, recursos, reflexiones y consejos que le serán de gran utilidad para iniciarse en la maravillosa práctica de la Narración Oral y así ser capaz de contar todo tipo de relatos, cuentos y narraciones a una gran variedad de publico; en cualquier lugar y ambiente, y ante distintas audiencias o contextos. En palabras de Richard Gerver, contar historias es un gran arte; no solo para escritores o comediantes, sino para cualquiera que quiera exponer su caso o transmitir una idea. Docentes, monitores, educadores, animadores, cuentacuentos, actores, padres y madres, en definitiva, cualquier persona que se sienta atraida por el arte de la Narracion Oral y que quiera conocer las tecnicas que le ayuden a ser un buen narrador oral disfrutara con la lectura de este libro; una guia clave para su aprendizaje. En el encontraran una herramienta de facil y amena lectura y de gran utilidad.

Muy pocos profesores de interpretación han logrado desarrollar un método detallado que forme actores verdadera-mente creativos: Sanford Meisner, fallecido en 1997, fue uno de ellos. Su técnica toma al artista como materia prima y construye, partiendo de cero, las habilidades que necesita para despuntar en la interpretacion. Sin embargo, sus enseñanzas se han ido desvirtuando con el tiempo y, a pesar de algunos intentos, no han podido ser compiladas y explicadas en profundidad hasta ahora. Discipulo y mano derecha de Meisner, William Esper ha transmitido y ampliado su tecnica durante decadas, en las que ha sido maestro de interpretes como John Malkovich, Kim Basinger, William Hurt y Kathy Bates. En Arte y oficio del actor, con la ayuda de Damon DiMarco, uno de sus discipulos, Esper nos sumerge en el aula y nos permite asistir, como un alumno mas, a uno de sus fascinantes cursos: aqui participamos de animados debates, contemplamos el reto de la improvisacion, y escuchamos divertidas anecdotas sobre grandes actores. Al tiempo que somos testigos privilegiados de todo el proceso de formacion de un grupo de actores, se van desvelando ante nosotros, de forma ludica y sencilla, los conceptos y ejercicios fundamentales de una tecnica unica.La esencia de este libro es como el propio William Esper: amable/claro, atento/generoso, apasionado/elegante, brillan-te/profundo. Inspirador. Inestimable. Jeff Goldblum

La luz ha sido utilizada tempranamente como elemento expresivo en el teatro, concretamente desde mediados del siglo XVI, presentando un gran desarrollo en la iluminación escénica desde fines del siglo XIX. Por otra parte, durante el siglo XX la luz ha trascendido el ambito teatral para ser utilizada por artistas plasticos y visuales en las mas diversas formas de arte. Por ello, el estudio de la estetica de la luz es necesario para comprender como se articula la iluminacion con los otros elementos que constituyen una obra de arte.Este libro trata sobre los modos en que la luz puede ser tratada desde el punto de vista de la composicion espacial y de sus desarrollos en el tiempo. Se consideran asi las posibilidades de composicion visual con la iluminacion. Luego de considerar el fenomeno de la percepcion visual y el comportamiento visual de los materiales frente a la luz, se expone una metodologia para su estudio desde la estetica, tanto en lo referido a las posibilidades de manipulacion de la luz como en sus posibles configuraciones espaciales y dinamicas. Asi, la finalidad de esta obra es brindar al lector las herramientas conceptuales para la organizacion formal de la iluminacion.Mauricio Rinaldi es Tecnico en Electronica, Licenciado en Filosofia y Magister en Sociologia de la Cultura. Diseñador de iluminacion escenica con especialidad en opera e integrante de la Seccion Luminotecnia del Teatro Colon de Buenos Aires, diseña tambien iluminacion para el ambito museografico y de exposiciones.Es profesor de iluminacion escenica en la Universidad Nacional de las Artes (UNA), Buenos Aires, Argentina. Ha sido docente en otras instituciones de educacion superior y universitaria de Argentina y ha dictado cursos y seminarios de iluminacion en Europa y America Latina. Presenta ponencias de su autoria en congresos nacionales e internacionales sobre luz y color desde 1992.Fundador, director y docente del Estudio ARS LUX, ha creado en 2013 el sello editorial ARS LUX Ediciones con el que ha publicado sus libros DMX512 para Control de Iluminacion Escenica (2014), Diseño de Iluminacion Teatral (2015) y Luminotecnia para las Artes Escenicas (2016).

La luz ha sido utilizada tempranamente como elemento expresivo en el teatro, concretamente desde mediados del siglo XVI, presentando un gran desarrollo en la iluminación escénica desde fines del siglo XIX. Por otra parte, durante el siglo XXla luz ha trascendido el ambito teatral para ser utilizada por artistas plasticos y visuales en las mas diversas formas de arte. Por ello, el estudio de la estetica de la luz es necesario para comprender como se articula la iluminacion con los otros elementos que constituyen una obra de arte.Este libro trata sobre los modos en que la luz puede ser tratada desde el punto de vista de la composicion espacial y de sus desarrollos en el tiempo. Se consideran asi las posibilidades de composicion visual con la iluminacion. Luego de considerar el fenomeno de la percepcion visual y el comportamiento visual de los materiales frente a la luz, se expone una metodologia para su estudio desde la estetica, tanto en lo referido a las posibilidades de manipulacion de la luz como en sus posibles configuraciones espaciales y dinamicas. Asi, la finalidad de esta obra es brindar al lector las herramientas conceptuales para la organizacion formal de la iluminacion.Mauricio Rinaldi es Tecnico en Electronica, Licenciado en Filosofia y Magister en Sociologia de la Cultura. Diseñador de iluminacion escenica con especialidad en opera e integrante de la Seccion Luminotecnia del Teatro Colon de Buenos Aires, diseña tambien iluminacion para el ambito museografico y de exposiciones.Es profesor de iluminacion escenica en la Universidad Nacional de las Artes (UNA), Buenos Aires, Argentina. Ha sido docente en otras instituciones de educacion superior y universitaria de Argentina y ha dictado cursos y seminarios de iluminacion en Europa y America Latina. Presenta ponencias de su autoria en congresos nacionales e internacionales sobre luz y color desde 1992.Fundador, director y docente del Estudio ARS LUX, ha creado en 2013 el sello editorial ARS LUX Ediciones con el que ha publicado sus libros DMX512 para Control de Iluminacion Escenica (2014), Diseño de Iluminacion Teatral (2015) y Luminotecnia para las Artes Escenicas (2016).

"La danza. El entrenamiento total del bailarín" es una guía práctica sobre los conceptos más importantes del entrenamiento y el bienestar del bailarín. Se basa en las investigaciones llevadas a cabo por expertos de todo el mundo coordinados por la International Association for Dance Medicine and Science (IADMS) y dirigidos por las profesoras M. Virginia Wilmerding y Donna H. Krasnow. Cubre las tres areas mas destacadas de la salud y el bienestar del bailarin. Abarca el entrenamiento, la tecnica de baile y el acondicionamiento fisico; el entrenamiento mental y el bienestar psicologico, y la nutricion, la salud osea y la prevencion de lesiones. En una cuarta parte se concretan diferentes formas de evaluar el estado de bienestar del bailarin y se establecen objetivos con vistas a mejorar el rendimiento y la satisfaccion mediante un plan personal de entrenamiento pleno y satisfactorio. Ademas de aportar una solida base teorica, esta obra tambien ofrece ejercicios y actividades para mantenerse activo durante todo el proceso de aprendizaje. Asi mismo cada capitulo aporta unas notas adjuntas que inciden en cuatro ideas: autoconciencia, empoderamiento, establecimiento de objetivos y diversidad. Asi se cubren todos los aspectos del entrenamiento y el bienestar del bailarin, tanto ambientales como fisicos y psicologicos. La danza. El entrenamiento total del bailarin es una ayuda esencial y muy valiosa para que los estudiantes y los profesionales de la danza desarrollen sus facultades y aptitudes con criterios sanos y creativos.

Luis Cano escribe para insistir: Insistencias del escritorio a la escena, de la identidad del escritor en su gabinete personal a la exploración en la práctica viva con los actores y la técnica del montaje. Cano es uno de los artistas-escritores que crea libros de teatro como marca a fuego de su investigacion. Las obras que conforman Insistencias son testimonio de su curiosidad sin limites, de su fe en los libros de teatro, en que la vida de los dramaturgos queda registrada en sus textos y que publicarlos es siempre una manera de volver a vivir la experiencia del cielo en la tierra. El autor ha dirigido casi todas las obras incluidas aqui, como El topo y La sirena, en las que explora la presencia de la soledad del personaje, de la voz aislada, de la memoria que reconstruye como confesion y acto con palabras. Insistencias en tematicas y procedimientos que tienen que ver con lo estrictamente teatral: el edificio, lo historiografico, la adaptacion de un texto narrativo, lo milagroso de la situacion y del encuentro con el lector-espectador; la posibilidad de reescribir los hechos, documentos e imagenes del pasado, de ser uno y el animal, y en eso, al autor y a sus criaturas, se les va la vida. Lo corporal por deforme, el horror de la mirada ajena sobre el paisaje propio, entre el ser desnudo y las vestiduras del teatro, entre los lugares contenedores que expulsan los cuerpos, lo marginal y sobrenatural: ¿Alguien queria una historia? Damas y caballeros, pueden comer caramelos, si les gusta. Este es uno de esos momentos en los que uno sabe que mira la belleza a plena luz.

Desde 2012, con la aparición del hit de PSY "Gangman Style", que rompió todos los récords posibles, se empezó a hablar de K-pop. Poco o nada se sabía de esta tendencia, sólo que viene desde Corea del Sur, con grupos multitudinarios que bailan complejas coreografias. En este libro te proponemos un recorrido por su origen, que ya tiene mas de un siglo, e intentamos descubrir como llego a America Latina y por que tiene cada vez mas fanaticos en la region. Ademas, repasamos las bandas y los solistas que marcaron y marcan tendencia en el genero. Encontraras consejos para preparar coreografias, mejorar tus dotes de cantante y producirte. Colorido, estridente, inimitable, pegadizo e inigualable, asi es el K-pop. Un verdadero fenomeno del que pocos se atrevian a hablar. Hasta ahora.

El Teatro Independiente del Magisterio, luego llamado Tim Teatro, fue un grupo de teatro independiente que desarrolló una intensa labor entre 1958 y 1976. Lo fundaron formalmente en Rosario, jóvenes de entre dieciseis y veinte años, liderados por Carlos E. Mathus, quien seria siempre el director del grupo. En 1960 el TIM inauguro su sala, donde tambien funcionaron una escuela de teatro y un cineclub. En 1966, migro a Buenos Aires, donde continuo trabajando y luego de presentarse invitado en el VIII Festival Internacional de Teatro de Nancy, Francia, produjo uno de los exitos mayores del teatro argentino, tanto a nivel nacional como internacional: La leccion de anatomia. El TIM fue siempre considerado un teatro de vanguardia. Sus postulados teatrales, inspirados por su director, iban en contra del naturalismo imperante y de muchos conceptos tradicionales del teatro. Sostenia que todos los codigos de comunicacion presentes en el teatro estaban a la par del texto, de modo que no reconocia un origen literario para el teatro. En la interpretacion, los actores del TIM confiaban mas en las imagenes, en los ritmos del habla y en la expresion corporal que en las motivaciones interiores. En sus obras, Mathus y su equipo desecharon las lineas argumentales y todos los rasgos anecdoticos de la puesta en escena. Cuestionaron los mensajes explicitos y hasta las lineas argumentales, prefiriendo presentar escenas sueltas e inconclusas, que el espectador debia completar y secuenciar en su mente. Este libro es la historia del TIM narrada por una de sus protagonistas y presenta un testimonio de la trayectoria del grupo, asi como una exposicion de sus ideas, algunas de las cuales aun hoy desafian ciertas concepciones del teatro.

Artistas en la memoria recorre el período que se inicia con la llegada de la radio a Cuba, en los años veinte, y continúa con la irrupción del cine y la televisión, en los años cincuenta del pasado siglo. Sus paginas ofrecen al lector la posibilidad de dar vuelo a los recuerdos reviviendo las visitas de artistas foraneos de gran popularidad en nuestro pais.

Se presentan en esta obra una serie de estudios sobre el teatro lírico español entre 1868 y 1925, una etapa enmarcada entre dos fechas significativas, no solo para la historia, sino también para la musica en España que comienza con la Revolucion, la Gloriosa, coincidente con el establecimiento de los Bufos de Francisco Arderius, etapa crucial en nuestro teatro lirico, y concluye con la instauracion de la Dictadura de Primo de Rivera, el mismo año en que se cierra el Teatro Real por problemas estructurales en el edificio, que no volvera a utilizarse como teatro de la opera hasta 1997. Los trabajos que aqui se reunen proceden de dos lineas de investigacion, la musicologia y la filologia, necesariamente complementarias para la comprension del teatro lirico, tanto por lo que concierne a la partitura como al texto literario. Como complemento imprescindible, uno de los estudios analiza la evolucion de la escenografia del drama musical español durante el siglo XIX.