Andrea Giunta

Tan poetico como polemico, el argentino León Ferrari nos seduce con su exquisitez y sus monumentales controversias. En León Ferrari. Obras 1976-2008 encontramos una selección de sus heliografías, dibujos y collages, donde expresa una fuerte critica sobre la dictadura argentina, la politica o la religion, entre otros; asi como una seccion de sus trabajos realizados desde el 2004, que incluyen las esculturas en poliuretano. Sus obras, fusion de denuncia y belleza, nos llevan de la sonrisa a la consternacion, de la alegria a la furia: un trabajo frente al cual es imposible una contemplacion imperturbable y serena. Esta publicacion deja claro por que le fue otorgado el Leon de Oro en la 52 Bienal de Venecia.

La obra de Candido Portinari resulta central para comprender el proceso de la modernidad en América latina. En su conjunto, la producción de este artista se ubica entre la tradición europea y la latinoamericana, y redefine a ambas. Es por eso que las nociones de copia, desarrollo epigonal o estilo derivativo no dan cuenta del lugar activo que tuvieron sus obras pictóricas y murales en el itinerario de las vanguardias históricas del siglo XX. Los trabajos reunidos en este libro fueron presentados en el seminario Candido Portinari y el sentido social del arte organizado por la Fundación Centro de Estudos Brasileiros y el Proyecto Portinari en Buenos Aires, en septiembre de 2004, en el marco del Centenário Portinari. Agudos y esclarecedores, los ensayos analizan su recorrido artístico desde las perspectivas de la historia del arte, la literatura, la cultura popular y la historia de las ideas. Las imágenes del arte son consideradas en las reinscripciones del sentido que se fijaron en sus periplos por París, San Pablo, Río de Janeiro, Buenos Aires, Montevideo. En su diversidad, el libro muestra la riqueza de un pensamiento crítico que se nutre de la fuerza con que la pintura de Portinari abordó las cuestiones sociales que atravesaron su tiempo e incluso, también, el nuestro.

La caída de París durante la Segunda Guerra Mundial marca un punto de quiebre en la historia cultural: el mundo del arte se convierte en un espacio sin centro. Con la Europa devastada, el impulso utópico, la imaginacion de que era posible delinear un futuro para las formas, se traslada y comienza a producirse en escenarios diversos. Tras la posguerra, y especialmente desde los años sesenta, la transformacion de los lenguajes propia de las vanguardias y neovanguardias se despliega desde distintas escenas en una trama de simultaneidades: en todas partes y al mismo tiempo.Poniendo el foco en el arte latinoamericano, Andrea Giunta utiliza una mirada comparada que logra romper el modelo evolutivo y demostrar que la innovacion no se produce en un lugar y luego se replica en otro, como un mecanismo que irradia desde los centros hacia las periferias. El territorio en el que pone a prueba sus hipotesis es amplio: las vanguardias de posguerra en Buenos Aires, Mexico y Brasil; el indigenismo y su reapropiacion de tradiciones, de Xul Solar y Torres Garcia a Punto poncho; la trama poscolonial en la obra de Mohamedi y la abstraccion brasileña; Joan Miro y la solidaridad con Chile; los argumentos y la plataforma del feminismo de la segunda ola en la serie Ramona de Berni y la filmografia de Godard; los años sesenta y la explosion del happening, entre Guerra Fria, revolucion y dictaduras."Contra el canon" retoma las palabras con que las diversas poeticas situadas se nombraron a si mismas para desarticular las lecturas historicas concebidas desde los centros. El desafio es generar las categorias analiticas para desprenderse de la logica ordenada por las miradas hegemonicas, pero tambien de los intentos de revertir el esquema de valores acentuando la potencia de lo local. Se trata de contradecir el canon y sacudir las versiones tradicionales del arte latinoamericano. Se trata, en fin, de comprender las simultaneidades para decir adios a la periferia

¿Puede el mundo del arte, con sus razones estéticas universales, declararse al margen de las reglas del régimen patriarcal? ¿Está este campo libre de techos de cristal, mansplaining y estereotipos de genero? Nada de eso parece corroborarse cuando se atiende a los numeros del sistema ...

Los años sesenta fueron años de transformaciones y certezas radicales. Tan poderosa como la convicción de que era necesario poner en crisis todos los sistemas para transformar la realidad hasta sus últimas consecuencias, fue la seguridad de que era posible hacerlo. El futuro era la meta nebulosa pero augural de un tiempo más perfecto: tan extraordinario, que cualquier gasto de energía que se requiriera al presente, estaba por demás justificado. Es en este período que las instituciones y gestores del arte argentino concibieron que era posible hacer de Buenos Aires un centro internacional de arte como París o como Nueva York. Los artistas sintieron que, por primera vez, sus obras no seguían con retraso las transformaciones internacionales del lenguaje de vanguardia, sino que las generaban al mismo tiempo, e incluso con anticipación. El propósito de este libro es seguir un itinerario de tensiones trazado a partir de múltiples factores: las formas que los proyectos de internacionalización del arte argentino y de la vanguardia artística asumieron en los años sesenta, las condiciones que permitieron pensarlos, las estrategias que se articularon para llevarlos adelante, las imágenes en las que encontraron su mejor forma de representación y los discursos antagónicos y contrapuestos a estos proyectos que marcaron el ritmo de las continuas polémicas que caracterizaron el desarrollo artístico del período. En este clima se reescribió la conflictiva relación entre el arte y la política en los términos que ahora imponía el debate cultural en América latina, imprimiéndole una radicalidad que fue aumentando en el transcurso de la década. El libro propone introducirse en el nudo de esta trama desde la perspectiva de distintos actores, considerando hasta qué punto y de qué manera, sus proyectos se expresaron en las palabras y en las imágenes.

¿Qué es normal en la vida y en el arte? ¿Qué es normal en la sexualidad, en la academia, en el museo? El arte, con su potencia de ruptura y extrañamiento, ha sido siempre un espacio privilegiado para poner en tension las reglas sociales de la normalidad. Para revelar en imagenes la complejidad de un mundo vasto y diverso. Y, sin embargo, ¿es capaz de cuestionar sus propias normas, sus vias de consagracion, sus instituciones, sus publicos?Diversidad y arte latinoamericano se detiene justamente alli, para recorrer la obra de artistas que, de distintas maneras, rompieron el "techo de cristal", quebraron las limitaciones que dificultaban su visibilidad, transgredieron el canon. El arte de America Latina fruto de la multiplicidad que tramaron las experiencias de la colonialidad, la independencia, la America indigena, la America negra, las vanguardias es tambien expresion de afectos, culturas y creencias minorizadas. Con minuciosa atencion a la especificidad de las imagenes, pero sin perder de vista su capacidad de producir efectos politicos, Andrea Giunta recorre el escenario del arte latinoamericano entre los años sesenta y el presente. Entre Argentina, Chile, Brasil, Mexico, Colombia, Uruguay, Paraguay y Peru, las experiencias que aborda (algunas individuales, otras colectivas) se piensan como emergentes de esas fuerzas contenidas. Desde su singularidad, las trayectorias analizadas transforman poeticas establecidas a la vez que logran interpelar sus contextos y proponer agendas: discuten el lugar de la mujer en la sociedad, las fronteras que imponen la raza o la edad, interrogan las miradas capacitistas, traen a escena formas de la sexualidad que escapan a lo normativo.Como en Feminismo y arte latinoamericano, la autora cuenta la historia de una revolucion en curso, una en la que imaginar y representar el mundo desde subjetividades y formas de conocimiento disidentes supone disputar espacios y combatir mecanismos de exclusion largamente afianzados. Pero tambien multiplicar publicos y expandir lo sensible.

La caída de París durante la Segunda Guerra Mundial marca un punto de quiebre en la historia cultural: el mundo del arte se convierte en un espacio sin centro.Con la Europa devastada, el impulso utópico, la imaginacion de que era posible delinear un futuro para las formas, se traslada y comienza a producirse en escenarios diversos. Tras la posguerra, y especialmente desde los años sesenta, la transformacion de los lenguajes propia de las vanguardias y neovanguardias se despliega desde distintas escenas en una trama de simultaneidades: en todas partes y al mismo tiempo.Poniendo el foco en el arte latinoamericano, Andrea Giunta utiliza una mirada comparada que logra romper el modelo evolutivo y demostrar que la innovacion no se produce en un lugar y luego se replica en otro, como un mecanismo que irradia desde los centros hacia las periferias.El territorio en el que pone a prueba sus hipotesis es amplio: las vanguardias de posguerra en Buenos Aires, Mexico y Brasil; el indigenismo y su reapropiacion de tradiciones, de Xul Solar y Torres Garcia a Punto poncho; la trama poscolonial en la obra de Mohamedi y la abstraccion brasileña; Joan Miro y la solidaridad con Chile; los argumentos y la plataforma del feminismo de la segunda ola en la serie Ramona de Berni y la filmografia de Godard; los años sesenta y la explosion del happening, entre Guerra Fria, revolucion y dictaduras.Contra el canon retoma las palabras con que las diversas poeticas situadas se nombraron a si mismas para desarticular las lecturas historicas concebidas desde los centros. El desafio es generar las categorias analiticas para desprenderse de la logica ordenada por las miradas hegemonicas, pero tambien de los intentos de revertir el esquema de valores acentuando la potencia de lo local. Se trata de contradecir el canon y sacudir las versiones tradicionales del arte latinoamericano. Se trata, en fin, de comprender las simultaneidades para decir adios a la periferia.

¿Puede el mundo del arte, con sus razones estéticas universales, declararse al margen de las reglas del régimen patriarcal? ¿Está este campo libre de techos de cristal, mansplaining y estereotipos de genero? Nada de eso parece corroborarse cuando se atiende a los numeros del sistema oficial: las mujeres tienen menos premios, menor presencia en las exhibiciones y ocupan, salvo excepciones, lugares subordinados en las historias del arte. Frente a este escenario, un intenso movimiento de transformacion esta en marcha. De la mano del activismo feminista y de genero, a partir de los años setenta del siglo pasado el arte ofrecio herramientas para un imaginario liberador y puso al cuerpo femenino como lugar de expresion privilegiado de una subjetividad en disidencia.Feminismo y arte latinoamericano presenta un panorama teorico y cuantitativo de la escena femenina en las artes visuales y se detiene en la intervencion de artistas que contribuyeron a construir una imaginacion emancipadora en America Latina. La obra de la colombiana Clemencia Lucena, de la argentina Maria Luisa Bemberg, la filmografia de Narcisa Hirsch, la formacion del feminismo artistico en Mexico y la produccion de Nelbia Romero y de Paz Errazuriz en los contextos dictatoriales de Uruguay y Chile son los hitos de esta historia. Andrea Giunta recorre en estas paginas la emergencia de nuevos temas la maternidad, el acoso, la prostitucion, los cuerpos divergentes y nuevas formas de representacion, que interpelan no solo las diferencias entre un arte feminista y un arte femenino, sino tambien las relaciones de poder inscriptas en los modos de ver y mostrar.Este libro cuenta la historia de una revolucion en curso y en ella se propone como una intervencion activa desde el conocimiento. Si todavia hoy el universo del arte replica, bajo las formas de la exclusion y la invisibilizacion, las distintas violencias contra las mujeres, restituir el sentido politico del feminismo artistico no significa reponer un conjunto de nombres en un sistema de poder, sino contribuir a la apertura de una comprension distinta del mundo.

"¿Qué ven?". Con esta pregunta llana, pronunciada ante la imagen proyectada del Guernica de Picasso, Andrea Giunta iniciaba una de sus clases en la carrera de Artes de la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad de Buenos Aires. Los estudiantes solian responder con ideas generales: la guerra, la violencia. Rara vez mencionaban el caballo, el toro, las tres mujeres huyendo, el soldado caido. De esa dificultad para describir lo que realmente esta ante los ojos sin anteponer aquello que sabemos y creemos por sentido comun nace la certidumbre que recorre este libro: partir de la obra, describirla antes que interpretarla, e investigar los contextos y los conceptos despues. Lecciones de arte contemporaneo y latinoamericano reune tres clases dictadas en la UBA. Las dos primeras son las lecciones inaugurales de sus materias: Problemas de Arte Moderno y Contemporaneo, y Problemas de Arte Latinoamericano. Alli la autora una de las historiadoras del arte mas influyentes de America Latina revisa criticamente conceptos como vanguardia, canon o manifiesto; va a contrapelo de una historia del arte que naturalizo la ausencia de artistas mujeres, afrodescendientes y de pueblos originarios; y propone marcos comparativos que cruzan el arte internacional con el latinoamericano cuestionando jerarquias cuya genealogia ella misma se encarga de desmontar. La tercera clase es la de clausura: la ultima que dicto despues de haber formado a varias generaciones de estudiantes, en la que reconstruye su itinerario intelectual y la formacion de su biblioteca, y piensa el presente y el futuro de las humanidades en un momento de ofensiva politica contra ellas. Testimonio de una trayectoria brillante e instrumento revelador para docentes, estudiantes y amantes del arte, este libro propone que una historia del arte plural no es un gesto de correccion politica sino una necesidad intelectual y un imperativo democratico. Porque resistirse al dogma, al cliche y a la simplificacion representa, mas que nunca, una opcion emancipadora.

¿Qué es normal en la vida y en el arte? ¿Qué es normal en la sexualidad, en la academia, en el museo? El arte, con su potencia de ruptura y extrañamiento, ha sido siempre un espacio privilegiado para poner en tension las reglas sociales de la normalidad. Para revelar en imagenes la complejidad de un mundo vasto y diverso. Y, sin embargo, ¿es capaz de cuestionar sus propias normas, sus vias de consagracion, sus instituciones, sus publicos? Diversidad y arte latinoamericano se detiene justamente alli, para recorrer la obra de artistas que, de distintas maneras, rompieron el techo de cristal, quebraron las limitaciones que dificultaban su visibilidad, transgredieron el canon.