Klaus Honnef

Un encuentro con Gerhard Richter, el artista alemán que ensanchó el horizonte de la relación entre pintura y realidad. Desde sus primeras pinturas fotográficas, pasando por su famoso ciclo RAF, hasta sus ultimos lienzos abstractas, la obra de Richter nos permite experimentar lo inesperado y lo oculto. Donde una vez se propuso liberar el medio del lastre ideologico, hoy, ante la abrumadora presencia de imagenes digitales, muestra el impacto y la intensidad incomparable de la pintura. Esta introduccion definitiva a uno de los mejores artistas de nuestro tiempo explorar toda su carrera y 50 años de acontecimientos culturales, economicos y politicos.

It was no more than eight years after the surrender of the Nazi government when Josef Heinrich Darchinger set out on his photographic journey through the West of a divided Germany. The bombs of World War II had reduced the country's major cities to deserts of rubble. Yet his pictures show scarcely any signs of the downfall of a civilization. Not that the photographer was manipulating the evidence: he simply recorded what he saw. At the time, a New York travel agency was advertising the last opportunity to go and visit the remaining bomb sites. Darchinger's pictures, in color and black-and-white, show a country in a fever of reconstruction. The economic boom was so incredible that the whole world spoke of an "economic miracle." The people who achieved it, in contrast, look down-to-earth, unassuming, conscientious, and diligent. And increasingly, they look like strangers in the world they have created. The photographs portray a country caught between the opposite poles of technological modernism and cultural restoration, between affluence and penury, between German Gemütlichkeit and the constant threat of the Cold War. They show the winners and losers of the "economic miracle," people from all social classes, at home, at work, in their very limited free time and as consumers. But they also show a country that looks, in retrospect, like a film from the middle of the last century. Of his color photographs, the Frankfurter Allgemeine Zeitung wrote, "they are exceptional contemporary documents indicating how swiftly the grayness of everyday life became infused with color again."

El mayor representante del pop Art tuvo su máxima creación en sí mismo. Su manipulación de las personas y los medios de comunicación le catapulatron a la fama de forma inmediato. Sus polaroids de accidentes, actrices, alimentos son multifamosas y representan el paso a un arte industrial y accesible a todo el mundo: el arte capitalista por excelencia, estetico y banal.

Surgido en Inglaterra a mediados de los años 1950, el Pop Art desarrolló una década más tarde, en los sesenta y en Estados Unidos. Este movimiento sustituye lo grandioso por lo cotidiano: los productos de masas adquieren la misma importancia que los ejemplares unicos; se difumina la diferencia entre la alta cultura popular. Los medios de comunicacion y la publicidad forman parte de los contenidos preferidos del Por Art, que homenajea con ingenio a la sociedad de consumo. El entusiasmo que desperto el Pop Art desde que se expusieron sus primeras obras no se ha perdido: hoy es mayor que nunca.

No habían pasado más de ocho años desde la rendición del gobierno nazi cuando Josef Heinrich Darchinger inició su viaje fotográfico por el oeste de una Alemania dividida. Las bombas de la Segunda Guerra Mundial habian reducido las mayores ciudades del pais a desiertos de escombros. Sin embargo, sus imagenes muestran muy pocos indicios de la caida de una civilizacion. No porque el fotografo manipulara la realidad: simplemente registro lo que vio. En esa epoca, una agencia de viajes de Nueva York anunciaba la ultima oportunidad de ir y visitar los sitios bombardeados que aun quedaban en pie. Las imagenes de Darchinger, en color y en blanco y negro, muestran un pais ansioso por volver a levantarse. El boom economico fue tan increible que el mundo entero hablo de un "milagro". En contraposicion, las personas que lo hicieron posible son realistas, sencillas, meticulosas y diligentes, pero se ven como extraños en el mundo que han creado. Las fotografias retratan un pais atrapado entre los polos opuestos de la modernidad tecnologica y la restauracion cultural, entre la prosperidad y la penuria, entre el confort aleman y la amenaza constante de la Guerra Fria. Muestran a los ganadores y los perdedores del milagro economico, gentes de todas las clases sociales en casa, en el trabajo, en su escaso tiempo libre y como consumidores. Pero tambien exhiben un pais que parece en retrospectiva una pelicula de mediados del siglo pasado.

El arte pop, que alcanzó su punto álgido en la década de 1960, surgió como una revolución contra las concepciones establecidas del arte y la cultura y acabó cuestionando todos los aspectos de la sociedad moderna, la cultura del consumo, el papel del artista y lo que constituye una obra de arte. Centrado en temas como el materialismo, la fama y los medios de comunicacion, el arte pop bebio de fuentes del mercado del consumo, ya fueran imagenes publicitarias, comics, rostros famosos de Hollywood o envases de articulos comerciales, epitomados estos ultimos en las latas de sopa Campbells de Andy Warhol. Ademas de desafiar el establishment mediante el ensalzamiento de tales imagenes populares, banales y kitsch, el arte pop desplego metodos de produccion en serie y desdibujo el papel del artista singular con la adopcion de tecnicas mecanizadas como la serigrafia. Con artistas como Andy Warhol, Allen Jones, Ed Ruscha, Robert Indiana, Jasper Johns, Robert Rauschenberg y Roy Lichtenstein, este libro presenta todo el alcance y la influencia de un movimiento moderno decisivo.

Andy Warhol (1928-1987) está considerado en la actualidad el máximo exponente del arte pop. Como observador creativo y crítico de la sociedad estadounidense, exploró temas claves como el consumismo, el materialismo, los medios de comunicacion y la fama. Inspirandose en anuncios contemporaneos, tiras comicas, productos de consumo y los rostros mas famosos de Hollywood, Warhol propuso una revision drastica del concepto de objeto artistico. El logro que una sopa Campbell y una botella de Coca-Cola tuvieran el mismo valor artistico que cualquier bodegon tradicional. Al mismo tiempo, Warhol reconfiguro el papel del artista. Con su famosa afirmacion "Quiero ser una maquina", redujo sistematicamente su propia presencia como autor trabajando con imagenes y metodos de produccion en masa, y con decenas de ayudantes en un estudio que bautizo como la Factory. Este libro presenta la obra extensa y polifacetica de Warhol, que revoluciono la distincion entre el "arte con mayusculas" y el "arte con minusculas", y abordo ideas de vida, produccion y consumo que siguen siendo cuestiones centrales de la experiencia moderna.