eBooks de Arte, página 140 de 2465

El presente libro efectúa una relectura radical de nuestras ideas acerca de los géneros cinematográficos. En realidad, se trata del primer texto que relaciona de modo amplio los papeles que desempeñan la industria, la critica y el publico en la genesis y la redefinicion de los generos. Rick Altman se dedica a prestar atencion a las voces mas importantes en la historia de la teoria de los generos de Aristoteles a Wittgenstein y revela al lector cuales han sido las apuestas mas arriesgadas al respecto. Para empezar, reconoce que el propio termino genero conlleva en si mismo significados diferentes segun los distintos sujetos que lo enuncien. Luego, elabora una nueva teoria del genero basada en la relacion dificil y competitiva, pero tambien complementaria entre sus diversos usuarios. Y, en fin, menciona y comenta una amplia variedad de ejemplos, desde Asalto y robo de un tren hasta La guerra de las galaxias, de El cantor de jazz a El juego de Hollywood.

Desde que comienzan a aparecer las primeras luces por el este hasta que se vuelve a hacer de noche, se abren un sinfín de posibilidades para el fotógrafo de paisajes. Paisajes naturales, paisajes urbanos... durante el amanecer, el atardecer, o a plena luz del dia. Cualquier momento es bueno para hacer fotos si conocemos la luz y como usarla a nuestro favor. En este libro veremos como me enfrento a estas diferentes situaciones e intento resolverlas de la mejor manera para poder llegar a casa con la tarjeta de memoria llena de buenas capturas, recuerdos y momentos.Te mostrare desde la planificacion y las herramientas que mas nos ayudaran hasta la toma de las fotografias en los diferentes momentos de luz que encontraremos a lo largo del dia. Hare un repaso a traves de muchas de mis fotografias en los diferentes momentos de luz y tecnicas para sacar el maximo provecho de cada sesion. Tambien cuento aquello que hay detras de todas y cada una de esas capturas, asi como analizo la composicion, los datos y los ajustes de procesado.Si quieres profundizar en la fotografia de paisaje, tanto natural como urbana, este libro te sera de gran ayuda.

La resonancia de una honda voz de poeta.Una estrofa popular abre este poemario: «Llamadme amparo,/ el enfermo buscaba el alivio/ malito, y yo no lo hallo». A continuación, Niño de Elche empieza a hil

En el libro, de planteamiento innovador y contenidos novedosos, espléndidamente ilustrado, se habla de todo esto y de mucho más; pero hay que hojearlo con atención, tranquilamente, captando los secretos y los miles detalles, las observaciones e informaciones contenidas en el repletas de datos y basadas en estudios exhaustivos y apasionados de los propios autores y expertos.Es un libro que no deja indiferente, mas bien fascina, atrae la atencion, intriga y, sobre todo, no se deja olvidar. Es un ensayo que de alguna manera da vida a un nuevo fenomeno, casi un movimiento artistico dedicado a la historia y a los antiguos sucesos del Valle de Ansanto, provincia de Avellino, en la Alta Irpinia. El fenomeno artistico llamado Mefitismo (o Mephitismo) nace oficialmente en 2017 a manos de artistas emergentes que traen inspiracion directamente del mito de la Diosa Mefite para crear obras (tela, esculturas, land art, arte figurativa, abstracta y conceptual, fotografias digitales, collage, etc.), utilizando las mas diversas tecnicas -algunas de ellas innovadoras- segun un nuevo modo de concebir el arte, profundamente arraigada en un territorio historicamente importante cuanto olvidado a traves de los siglos. Las obras pictoricas y escultoricas del movimiento inspirado en la Xoanon emergen austeras y solemnes y casi parecen respirar aquellos gases mortales liberados y compuestos por acido carbonico y sulfuro de hidrogeno, atrayendo asi las miradas de los espectadores en una especie de osmosis dada por el trinomio tiempo, energia y consciencia historica. Las nuevas interpretaciones de la Xoanon y la Diosa Mefite hacen revivir la historia del valle en una nueva dimension colectiva, sustrayendola a nivel de representacion figurativa a la accion erosiva, si no destructiva, del tiempo. Para ellos la Mefite es una diosa que se regenera y regenera la vida, diosa benigna en epoca italica (de aqui el titulo La Buena Mephite), relegada a diosa mefitica y malefica en epoca romana.

No vamos a descubrir ahora que Jerez de la Frontera es un manantial del que han salido cantes y cantaores que hoy son parte esencial de la historia de este arte, ya universal, que nos define. Fueron muchos, como muchos fueron los que nacieron y se criaron en otros espacios singulares de nuestra geografia, donde se hacinaban gitanos, moriscos, andaluces de la periferia maldecidos por el hambre y la miseria, como Triana, los barrios gaditanos y su bahia, el Perchel malagueño con la Trinidad, o los barrios del Sacromonte y el Albaycin granadinos. Y son ellos, todos ellos, en una fusion de razas y de culturas, los que dan nacimiento a unas musicas que son grandes de por si. Tal vez por esto, decidimos un dia hace ya muchos años iniciar una serie de entrevistas con unos hombres y mujeres del mundo del flamenco que habian sido fundamentales en su tiempo, pero que, por las circunstancias politicas, economicas o sociales, la aficion los habia ido dejando aparcados en el rincon del olvido, sin otra cobertura que la caridad o la beneficencia municipal en su caso. Queriamos ser una especie de grito que, en boca de estos artistas, reclamaran el estatus que la sociedad y los estados debian a estos hacedores de arte, ya orillados de los habituales circuitos. MANUEL HERRERA RODAS

En 1966 Arturo Agramonte publicó una preciosa Cronología del cine cubano, editada por el ICAIC, y en 2008 María Eulalia Douglas completó aquel trabajo pionero con su Catálogo del cine cubano (1897-1960), divulgado por la Cinemateca de Cuba. Y ahora, con el titulo de Cronologia del cine cubano aparece la investigacion historica de Arturo Agramonte y Luciano Castillo, una exhaustiva indagacion que desborda la modestia de su titulo. Nos hallamos, en efecto, ante una monumental investigacion hemerografica y archivistica, insolita en el panorama de la memoria de los cines nacionales.

Vehemencia y respeto con sobradas razones. José Delarra, artista que, desde hace mucho, llegó para incluirse en la extensa galería de los grandes escultores cubanos —Agustín Cárdenas, José Sicre, Rit

En 1966 Arturo Agramonte publicó una preciosa Cronología del cine cubano, editada por el ICAIC, y en 2008 María Eulalia Douglas completó aquel trabajo pionero con su Catálogo del cine cubano (1897-1960), divulgado por la Cinemateca de Cuba. Y ahora, con el titulo de Cronologia del cine cubano aparece la investigacion historica de Arturo Agramonte y Luciano Castillo, una exhaustiva indagacion que desborda la modestia de su titulo. Nos hallamos, en efecto, ante una monumental investigacion hemerografica y archivistica, insolita en el panorama de la memoria de los cines nacionales.

En 1966 Arturo Agramonte publicó una preciosa Cronología del cine cubano, editada por el ICAIC, y en 2008 María Eulalia Douglas completó aquel trabajo pionero con su Catálogo del cine cubano (1897-1960), divulgado por la Cinemateca de Cuba. Y ahora, con el titulo de Cronologia del cine cubano aparece la investigacion historica de Arturo Agramonte y Luciano Castillo, una exhaustiva indagacion que desborda la modestia de su titulo. Nos hallamos, en efecto, ante una monumental investigacion hemerografica y archivistica, insolita en el panorama de la memoria de los cines nacionales.

En 1966 Arturo Agramonte publicó una preciosa Cronología del cine cubano, editada por el ICAIC, y en 2008 María Eulalia Douglas completó aquel trabajo pionero con su Catálogo del cine cubano (1897-1960), divulgado por la Cinemateca de Cuba. Y ahora, con el titulo de Cronologia del cine cubano aparece la investigacion historica de Arturo Agramonte y Luciano Castillo, una exhaustiva indagacion que desborda la modestia de su titulo. Nos hallamos, en efecto, ante una monumental investigacion hemerografica y archivistica, insolita en el panorama de la memoria de los cines nacionales.

El libro que el lector sostiene en sus manos aborda cómo las deidades prehispánicas fueron transformadas en demonios, proceso analizado desde la pintura mural conventual. A diferencia de otros estudios, el problema de la demonizacion de los dioses prehispanicos esta centrado en las imagenes pintadas en varios conventos de la Nueva España. Durante la evangelizacion, el Diablo fue una figura clave en la conversion de los indigenas, para inculcar el amor a Dios los frailes utilizaron el miedo al castigo diabolico en el infierno. En la pintura mural de los conventos abundan las imagenes de demonios, pero en algunos casos las figuras de los diablos incorporan elementos propios de la iconografia prehispanica: los evangelizadores decidieron que todos los dioses de los nativos eran demonios y los indigenas habian vivido engañados, de no aceptar la nueva religion sus almas arderian en el infierno, atormentadas por aquellos que habian tenido como divinidades, de alli la necesitad de presentar a los demonios con algunas de las caracteristicas de los dioses indigenas. El tema del Diablo en la pintura mural no solo tuvo importancia en territorio novohispano, en el sur del continente tambien fueron utilizados; por esta razon el ultimo capitulo esta dedicado a una somera comparativa de algunos de estas imagenes con las elaboradas en la Nueva España. Este trabajo esta dirigido al sector academico, pero tambien al publico en general interesado en el arte virreinal de los indigenas bajo dominio español.

Amar la escena. Diarios teatrales es la selección de reseñas críticas, investigaciones y valoraciones en torno al hecho teatral cubano desde el punto de vista particular e inclusivo de este hombre que conoce el teatro y sus senderos mas disimulados. La mayoria han sido publicados en la revista Tablas, otros vieron la luz en espacios de pensamiento teatral latinoamericano o en conversatorios.

Contar una historia, es decir, volver a la semilla dramática, dejar un mensaje y provocar que salgamos del teatro con una emoción —sentirnos entonces diferentes de como entramos—, creo que aquí resid

Co-Cine (El discurso culinario en la pantalla grande) es una panorámica sagaz, analítica y exhaustiva de un amplio desfile de cenas, deleites de paladar, espacios memorables que acogen a personajes no solo en tanto comensales, asi como de regodeos en el hambre literal, a manera de contraparte, etc., recreados todos en la filmografia internacional y nacional, ya sea en instantes incidentales o como motivos medulares de las distintas obras. En aras de una didactica informacion actualizada para los lectores, el autor del volumen ha hecho un mayor enfasis de seleccion en aquellos filmes de las ultimas decadas sin obviar los grandes hitos del cine mundial y del cine latinoamericano, en el cual la ausencia del alimento remite a la pobreza y la marginalidad que esta vertiente cinematografica tan magistralmente ha reflejado.

"La vida siempre tiene la razón, el arquitecto es quien se equivoca", fue la sentencia que pronunció Le Corbusier, el arquitecto más revolucionario del siglo xx, cuando las viviendas que diseñó para Pessac fueron modificadas por sus habitantes. Fue su reconocimiento de que la casa preconcebida, asumida como un mecanismo para vivir, cederia el paso a la aparicion de la vida misma en la vivienda. Este libro aborda esta mutacion en la concepcion de la vivienda, entendida, en principio, como objeto previsible y terminado para transformarse recientemente en verbo variable e inacabado. Se estructura a partir de investigaciones sobre vivienda social industrializada en el mundo, de las que el autor abstrae conceptos para ser aplicados en su ejercicio profesional (I + D) y en su practica docente (U + E + E), para finalmente mostrar un ejemplo de aplicacion en la ciudad (mat-housing). Al reflexionar acerca de lo que hoy en dia significa la vivienda y asumirla como un medio de vida mas que un fin predeterminado, esta puede ser entendida como una especie de organismo adaptativo, casi vivo, que alberga y enaltece la existencia humana.

Ubicado en el subsuelo de la Isla de la Genética, un laboratorio asegura la vida y la reproducción asistida como única solución viable para la continuidad de la especie humana, tendiente al hipogonadismo y la neotenia. A medida que se desarrolla la historia, aparecen anomalias en la telecomunicacion y toma protagonismo el conflicto ontologico de cada personaje: Sunna, Adalberg, Valdi, Solmundur, y los demas, son el reverso de una eusociedad hipertecnologica, aislada y en crisis.

Aquellos que han tenido la oportunidad de sostener entre sus manos un manuscrito medieval, no habrán podido evitar verse sorprendidos por la sensación de entrar en contacto directo con un pasado remoto. Tiempo atras, cuando un libro era una verdadera obra de artesania y cada copia el resultado de un laborioso proceso, este objeto constituia una obra de arte mas que un volatil producto comercial. El volumen de Mega Square Manuscritos Iluminados presenta al lector asombrosas ilustraciones medievales y adornos unicos que constituyen un testimonio de la privilegiada imaginacion de sus creadores.

Goya es tal vez el pintor más accesible. Su arte, al igual que su vida, es un libro abierto. Nada ocultó a sus contemporáneos y les ofreció su obra con la misma franqueza. La puerta a su mundo no esta oculta detras de grandes dificultades tecnicas. Fue la prueba de que si un hombre tiene la capacidad de vivir y multiplicar sus experiencias, de luchar y trabajar, puede producir grandes obras de arte sin el decoro clasico y la respetabilidad tradicional. Nacio en 1746 en Fuendetodos, un pequeño pueblo montañes de un centenar de habitantes. De niño trabajo en los campos con sus dos hermanos y su hermana, hasta que su talento para el dibujo puso fin a su miseria. A los catorce años recibio el apoyo de un mecenas adinerado y se marcho a Zaragoza a estudiar con un pintor de la corte y, posteriormente, cuando cumplio diecinueve años, se fue a Madrid. Hasta los treinta y siete años, sin contar algunos diseños de tapiceria de modesta calidad decorativa y cinco pequeñas pinturas, Goya no pinto nada de gran importancia, pero una vez que domino su temperamento, produjo obras maestras con la misma velocidad que Rubens. Tras su nombramiento en la corte siguio una decada de actividad incesante, años de pinturas y escandalos, con intervalos de salud deteriorada. Los grabados de Goya demuestran su gran pericia como dibujante. En la pintura, al igual que Velazquez, depende en mayor o menor medida del modelo, pero no de la manera objetiva del experto en naturalezas muertas. Si una mujer era fea, la convertia en un horror despreciable; si era atractiva, dramatizaba su encanto. Preferia terminar sus retratos en una sola sesion y era un tirano con sus modelos. Al igual que Velazquez, se concentraba en los rostros, pero dibujaba las cabezas con pericia, construyendolas con varios tonos de grises transparentes. Su mundo en blanco y negro esta habitado por formas monstruosas: se trata de las producciones en las que demuestra una reflexion mas profunda. Sus figuras fantasticas, como solia llamarlas, nos llenan de una sensacion de gozo vulgar, acentuan nuestros instintos diabolicos y nos deleitan con el nada caritativo extasis de la destruccion. Su genio alcanzo el punto culminante en sus grabados de los horrores de la guerra. Al compararlas con la obra de Goya, otras pinturas sobre este tema palidecen hasta convertirse en estudios sentimentales de la crueldad. Evito la accion esparcida por el campo de batalla y se confino a escenas aisladas de matanzas. En ninguna otra obra demostro tanto dominio de la forma y el movimiento, tantos gestos dramaticos y efectos sorprendentes de luz y sombra. En todos estos aspectos, Goya fue un renovador e innovador.

De Miguel Ángel a Picasso, pasando por Rubens y Degas, el arte erótico ha atraído la atención de muchos grandes maestros, cuyas obras son capaces de cautivar al observador de forma especial. A pesar de esta atraccion, o quiza precisamente debido a ella, el arte erotico nunca ha dejado de suscitar polemica y se ha tenido que defender en muchas ocasiones de comparaciones con la pornografia. Este libro, que engloba una gran variedad de estilos y tecnicas, guia a los lectores desde las primeras representaciones de escenas eroticas, que se remontan a los siglos XVI y XVII, hasta obras contemporaneas consagradas como los dibujos de los cuadernos de Picasso.

Las flores constituyen el elemento fundamental en la mayoría de las representaciones pictóricas de naturalezas muertas. Al trazar sus formas y colores, numerosos artistas desde Brueghel a O’Keeffe ha