Julián Díaz Sánchez

El arte abstracto se abrió camino en España cuando, tras el fin de la Segunda Guerra Mundial, el Régimen se vio obligado, para subsistir, a perder parte de su retórica fascista. Frente a las tradiciones academicas, al contrario que el arte mas politico, lo abstracto podia situarse mas alla de cualquier ideologia, asumir una condicion moderna (muy apreciada en las exposiciones internacionales) y enlazar con la gran tradicion pictorica española, de Velazquez a Goya. Fue esto lo que propicio que, durante un tiempo, la pintura abstracta fuera el arte oficial de la España franquista. Todo esto tuvo lugar en el marco del proceso de separacion radical entre cultura y politica que se dio en Occidente a partir de 1945, y que favorecio el espectacular reciclaje del regimen de Franco. A partir del analisis de la politica expositiva, la critica y la historiografia del arte abstracto en la España de posguerra, este libro explora las razones por las que el informalismo se considero un movimiento artistico principal y, ademas, se entendio como una sintesis de las tradiciones artisticas españolas.

Las obras de arte se crean con el propósito de compartir un mensaje, de generar un discurso directo con el espectador. Pero el sistema del arte se interpone entre ambos con interpretaciones, no exentas de posiciones ideologicas, esteticas y criticas, que suelen desfigurar la esencia de la obra. Para devolver al publico receptor su mirada activa, es esencial ubicarlo en el centro de las reflexiones, analizar los fallos del sistema artistico (criticos, galeristas, historiadores del arte) y dar voz a las recientes apariciones de nuevas narrativas historica-artisticas que ponen en entredicho las obsoletas politicas de promocion y las relaciones entre arte e industria cultural. Y asi poder abrir un nuevo camino donde el conocimiento de las obras sea un modo de cuidarlas, sin olvidar que es tambien una aproximacion al sistema social que nunca esta al margen de las artes. Como el propio autor afirma nada es neutro en el territorio de las artes, ni siquiera las obras .

¿Qué tienen en común el arte, el diseño y la moda? Tal como los conocemos hoy, parecen indisociables de la modernidad. Este libro trata de los mecanismos de la esfera artística como espacio de circulacion de las artes, como lugar donde el artista aparece, en ocasiones, como una verdadera marca comercial, donde se generan espacios tan especificos como las ferias de arte, pero tambien como una amplia zona de uso comun en la que el grafiti, el diseño y la moda generan sus propios circuitos de comercializacion y de canonizacion (no parece facil que lo primero se materialice sin que se cumpla lo segundo).

A lo largo de las siete últimas décadas, la crítica de arte se ha visto expuesta a una serie de complejas y decisivas transformaciones. Ante los cambios producidos en la estructura institucional del arte y la teoria cultural, tanto los criticos como la critica (en tanto que disciplina) han visto alteradas sus disposiciones, su espacio y sus formas de aproximacion al hecho artistico. No se puede hablar nunca de una critica de arte, sino de formas de analisis heterogeneas, algo que resulta evidente cuando se revisan diferentes contextos y periodos. Este libro propone una reflexion sobre las practicas de la critica de arte y sus comportamientos frente a las multiples manifestaciones de una modernidad ampliada y cosmopolita, recorriendo sus desarrollos desde 1945 hasta la emergencia de la posmodernidad en el mundo globalizado. Organizado a partir de estudios de destacados autores en la historia del arte internacional, Critica(s) de arte plantea una vision comparada y policentrica de las escenas de la modernidad, la posmodernidad y la globalizacion, analizando tanto los agentes y el sistema del arte como las redes de produccion y de difusion de las perspectivas criticas a ambos lados del Atlantico.

Este libro afirma, de entrada, la necesidad del texto de arte en la configuración de una historia del arte capaz de mantenerse y desarrollarse en el interior de unos paradigmas que han convertido el hecho artístico en algo complejo y confuso. Para abordar su estudio, la historia del arte debería conservar su tradicional vocación interdisciplinar. Desde sus orígenes, la historia del arte ha manifestado, en paralelo a la preocupación por el catálogo y la configuración de la historia de los estilos, una tendencia a una historia fundamentalmente cultural (Aby Warburg), preocupada por los ámbitos no occidentales (Carl Einstein) y expandida hacia el análisis profundo de la imagen (Walter Benjamin). Pese a todo, nuestra disciplina ha prestado poca atención a la cultura artística escrita. Pretendemos pues llamar la atención sobre ello y esbozar, como dice el título, un manual de instrucciones de uso del texto de arte. Proponemos una tipología abierta: textos de historia del arte, de género, de museo, de crítica, manifiestos de vanguardia, libros de viajes y textos que sirven para entender la configuración del poder, que no deja de ser un marco definitivo para el arte. No es una tipología completa, pero hay algunos géneros importantes que, sin tener un apartado específico, están presentes en todos los trabajos del libro, los sobrevuelan; nos referimos a los escritos de artista, las preceptivas y los textos de estética.

El presente libro aborda el estudio de la crítica de arte en España durante la Dictadura de Franco, período en el que sufrió el proceso de reconversión que, a consecuencia del resultado de la Guerra Civil, afectó al sistema artístico español, muy apoyado a partir de entonces en la tradición y el españolismo. A lo largo de sus páginas se revisan los argumentos utilizados por la crítica, así como el papel que desempeñó en el sistema. El texto se complementa con una antología de textos.

Parece conveniente pensar la historia del arte en un momento en que el término arte asume, más que nunca, una dimensión multidisciplinar. Revisar los métodos de la disciplina es hacer propias las propuestas mas recientes y reflexionar sobre la utilidad de otras mas antiguas. En este libro, los enfoques vigentes de la disciplina (algunos admiten una larga proyeccion en el pasado) se entienden como estrategias narrativas de un relato que posee una fuerte especificidad, pero que puede construirse de muchas maneras; esa, que es una de las grandes fortalezas de la historia del arte, parece tambien una de sus debilidades.

En la década de los 70, la escena artística española (al tiempo que en Occidente se hablaba de "retorno de la pintura") contempló la aparición de un grupo de creadores y escritores de arte que defendian la necesidad de una pintura "culta y placentera, compleja y gozosa" al decir de uno de ellos. Postulaban un cambio de epoca frente al informalismo, los realismos (politicos o no) y las practicas conceptuales que habian prescindido de la pintura. Exhibian unas referencias culturales cosmopolitas y novedosas en el pais, pero no consiguieron ocupar el sistema del arte, seguramente por el crecimiento de la industria cultural que tuvo lugar en los primeros años de la transicion democratica y por la atencion del Estado a otras manifestaciones artisticas. Julian Diaz Sanchez indaga en este brillante ensayo las razones de ese enigmatico olvido a traves de los textos criticos que se generaron en torno a artistas como Carlos Alcolea, Rafael Perez Minguez, Guillermo Perez Villalta o Luis Gordillo (pertenecientes a la Nueva Figuracion Madrileña), por un lado, y a Jose Manuel Broto, Xavier Grau, Federico Jimenez Losantos, Javier Rubio y Gonzalo Tena (integrantes del grupo Trama), por otro.

Pensar la historia del arte. Viejas y nuevas propuestas es, sobre todo, una reflexión de método, una revisión de las narrativas. De los trabajos de Aby Warburg a la nueva historia social del arte, pasando por la cultura visual (parte de una historia del arte a la que sus mentores pretendian sustituir), el relato historico artistico aparece hoy como una herramienta fundamental para entender el arte y, especialmente, el sistema en el que surge y del que forma parte. Pensar la historia del arte precisa de una clara dimension multidisciplinar, pero tambien de la fuerte especificidad que ha caracterizado siempre al trabajo del historiador del arte.

En la década de los 70, la escena artística española (al tiempo que en Occidente se hablaba de "retorno de la pintura") contempló la aparición de un grupo de creadores y escritores de arte que defendian la necesidad de una pintura "culta y placentera, compleja y gozosa" al decir de uno de ellos. Postulaban un cambio de epoca frente al informalismo, los realismos (politicos o no) y las practicas conceptuales que habian prescindido de la pintura. Exhibian unas referencias culturales cosmopolitas y novedosas en el pais, pero no consiguieron ocupar el sistema del arte, seguramente por el crecimiento de la industria cultural que tuvo lugar en los primeros años de la transicion democratica y por la atencion del Estado a otras manifestaciones artisticas. Julian Diaz Sanchez indaga en este brillante ensayo las razones de ese enigmatico olvido a traves de los textos criticos que se generaron en torno a artistas como Carlos Alcolea, Rafael Perez Minguez, Guillermo Perez Villalta o Luis Gordillo (pertenecientes a la Nueva Figuracion Madrileña), por un lado, y a Jose Manuel Broto, Xavier Grau, Federico Jimenez Losantos, Javier Rubio y Gonzalo Tena (integrantes del grupo Trama), por otro.