Juan Antonio Ramírez

La importancia de la historia del arte se ha venido acrecentando en las últimas décadas hasta alcanzar actualmente un desarrollo espectacular. Este proceso ha venido acompañado de una interesante renovacion metodologica perceptible en un cambio sustancial de los criterios y de las valoraciones. Desgraciadamente, esto es solo evidente para los especialistas que manejan una amplia bibliografia, tan densa y profusa a veces como dispersa. Son muy abundantes, en efecto, las revistas especializadas, los catalogos y las monografias de variada naturaleza, y es por eso mas dificil que nunca obtener un cuadro completo, coherente y actualizado de toda la historia del arte universal. De ahi la necesidad de suministrar a los lectores interesados una nueva obra de referencia de caracter general, manejable y comoda, pero de cierta amplitud, bien ilustrada, y que informe de los ultimos avances de esta disciplina. Con ese proposito se ha concebido la presente Historia del Arte para la cual se ha recabado el concurso de treinta y dos reputados especialistas procedentes de diversas universidades españolas. La personalidad intelectual de estos autores queda a salvo al haber recibido cada uno el encargo de desarrollar asuntos con cierta amplitud y plena coherencia argumental. En este volumen dedicado a la Edad Media se narra la evolucion del arte y la arquitectura durante la epoca medieval. E apartados especificos se examinan el arte paleocristiano y bizantino,, el arte del Islam, el arte prerromanico y el arte romanico. La arquitectura gotica y las artes figurativas goticas reciben un tratamiento diferenciado en otros dos modulos. A todo ello se añaden dos completos estudios sobre el arte de China y el arte de Corea y Japon.

En efecto, el Templo de SalomÛn es el origen y la fuente de todas las normas arquitectÛnicas que se encuentran plasmadas en los libros de arquitectura.

Entre 1596 y 1604 aparecieron enRoma los tres vol?menes de In Ezechielem explanationes et apparatus urbi ac templi hierosolymitani. Aunque el primer tomo va firmado por JerUnimo de Prado (1547-1595), los dos ?ltimos son obra del arquitecto y sacerdote jesuita cordobes Juan Bautista Villalpando (1522-1608). ste habia sido discipulo de Juan de Herrera, el arquitecto de El Escorial, y fue a traves de el como consiguiU el apoyo de Felipe II para la impresiUn de esta obra monumental.El grueso de la misma lo constituye una magna reconstrucciUn literaria y visual del Templo de SalomUn. La colecciUn de grabados que acompaña al libro es lo mejor del dibujo arquitectUnico coetaneo, y puede decirse con seguridad que ning?n otro edificio real o imaginario fue publicado a lo largo de los siglos XVI y XVII con tanta belleza y suntuosidad. Villalpando estaba convencido de que, al haber sido el templo judaico un diseño divino, el conocimiento de esta construcciUn permitiria deducir las reglas de la ?nica arquitectura perfecta, la reveladaª por Dios.De ahi que su obra sea indirectamente un sUlido tratado de arquitectura, cuya influencia, enorme, traspasU todas las fronteras y se prolongU hasta muy avanzado el siglo XIX.

Con una audaz óptica diacrónica, que lleva al lector desde el mundo bíblico hasta nuestros días, el autor examina con brillantez un conjunto de episodios concretos, los más reveladores, de la “utopía

La obra de Antonio Gaudí (1852-1926) ha conquistado a todo el mundo, suscitando un entusiasmo que no conoce fronteras ni niveles culturales. Pero este insólito fenómeno ha alimentado también muchas leyendas sin fundamento que conviene disipar. Aqui hay una evaluacion completa, rigurosa y muy amena de la vida y las construcciones del gran arquitecto catalan; muchos datos conocidos son reexaminados, aportandose interesantes novedades criticas e interpretativas. Lo apendices y mapas permiten que este libro sirva tambien como una guia eficaz para visitar los edificios de Gaudi.

La importancia de Marcel Duchamp (1887-1968) se ha venido acrecentando progresivamente desde los años cincuenta hasta nuestros días, a medida que numerosos movimientos artísticos le reconocían como padre fundador. Pero aunque la magnitud de su influencia sUlo es hoy comparable a la de Picasso, Duchamp sigue siendo un desconocido fuera del escaso circulo de unos pocos iniciados. Es como si hubiese quedado sepultado por algunos estereotipos biograficos y por la audacia de sus gestos iconoclastas. Pero la revisiUn de ciertos tUpicos permite descubrir algo mucho mas rico y estimulante. Duchamp estuvo siempre en el centro de los grandes debates del mundo contemporaneo, y aunque evolucionU al vincularse a diversos ismos de la vanguardia, mantuvo constantemente el sello de una personalidad inconfundible. Sus dos grandes preocupaciones conciernen a la naturaleza del conocimiento (de la verdad cientificaª) y al sentido del amor con su limite natural, la muerte. Los trabajos de Duchamp hablan siempre de erotismo, y lo hacen tocando los limites, en unos terminos que comprometen lo socialmente aceptable. Este libro trata con amplitud estos y otros asuntos. Un gran esfuerzo de contextualizaciUn cultural y de exegesis filolUgica ha permitido a su autor revisar cuestiones de gran importancia, como el significado de los ready-mades o el de la gran instalaciUn secreta conocida como tant donnes. Por primera vez se propone una cuidadosa lectura por etapas del Gran vidrio, rastreando la evoluciUn de cada elemento, desde las ideas preliminares hasta su desapariciUn o integraciUn en el programa final de la obra. De gran importancia es tambien el hallazgo de muchas fuentes iconograficas mediante el examen de materiales tan heterogeneos como viejos catalogos medicos e industriales, manuales escolares, anuncios, libros fisico-matematicos, etc. Todo ello permite entender, por fin, el sentido de las principales propuestas y transformaciones duchampianas. Este ensayo apasionante, ilustrado con cerca de 300 imagenes comentadas, reproduce, ademas de numerosas referencias visuales rigurosamente ineditas, todas las obras importantes de Duchamp. Esto convierte Duchamp. El amor y la muerte, incluso en una monografia basica para conocer a esta figura insoslayable del arte contemporaneo.

La edad de oro de Hollywood.

Las relaciones entre el cuerpo y la arquitectura han sido siempre estrechas y complejas. El tratadista romano Vitruvio habló de ello, y muchas de sus ideas fueron luego cristianizadas mediante la identificacion simbolica de las iglesias con el cuerpo de Cristo. La antropomorfizacion antigua de los soportes (las columnas, que eran masculinas o femeninas) abrio la via para una diferenciacion sexual de la arquitectura. En Edificios-cuerpo se habla de todo ello, se introducen numerosas apreciaciones novedosas y se examinan de modo especial esculturas habitables con formas humanizadas, bien sean proyectadas, construidas o imaginadas. Se consideran, pues, las aportaciones de arquitectos y artistas como Caramuel, Ledoux, Le Corbusier, Wright, Dali, Charney, Finsterlin, Masson, Matta, Bruno Taut o Kiesler, sin olvidar el trabajo de creadores mas recientes como Ernesto Neto.

El cuerpo humano ha sido siempre un asunto importante para los artistas, y sabemos que el estudio de la anatomía se consideraba imprescindible en la formación academica. Pero esta apacible tradición se ha visto convulsionada en la epoca contemporanea por una eclosion de trabajos y propuestas dispares, carentes en muchas ocasiones de cualquier precedente. De esta prodigiosa multiplicidad de creaciones a cargo de pintores, fotografos, escultores, instaladores y performers, desde las primeras vanguardias hasta hoy, emerge una imagen muy rica y compleja de nuestra realidad organica. Corpus solus se ocupa de esa "reinvencion del cuerpo" operada en el arte de nuestro tiempo. Sus veinte capitulos (concebidos como una especie de eco formal de las instalaciones descritas por Raymond Roussel en su Locus solus) tratan de cosas como el cuerpo ideal, el desnudo, el cuerpo en movimiento, la piel pintada o tatuada, la vejacion, el sufrimiento, transparencias y fragmentaciones corporales, la huella del cuerpo, la ropa, las lagrimas, el cuerpo en el espejo, el sexo, etc. Por sus paginas desfilan una multitud de artistas y de creaciones, algunas de ellas muy recientes, y es significativo que, sin pretenderlo expresamente, este tema se haya revelado especialmente sensible a la problematica del

La multiplicación de instituciones artísticas y la gran abundancia de creaciones de todo tipo y condición son dos fenómenos interrelacionados que influyen en el panorama artístico contemporáneo. Es tal la riqueza y diversidad de propuestas que no parece facil distinguir entre ellas algunas lineas predominantes. Por otra parte, parece evidente que abundan los artistas con voluntad de ocupar determinados espacios ideologicos, tecnicos o institucionales, es decir, de tomar posiciones claras en un universo inestable y muy complejo. Dos preguntas surgen inmediatamente: ¿Esta sustituyendo la "voluntad de tendencias" a la "tendencia artistica? ¿Esta dinamica se ha visto impulsada por el desplazamiento del mercado por la iniciativa institucional en la ultima decada?A traves de la observacion de criticos, creadores e historiadores del arte, este libro pretende responder a estas preguntas, que aunque no son faciles de contestar, tampoco parece posible evitar.

A mediados de los años cincuenta, escuchar Radio París era un pequeño y cotidiano acto de afirmación, de consuelo y de esperanza. Durante algunos minutos éramos, o nos sentíamos, un poco más libres y, sobre todo, sabiamos que algun dia llegariamos a ser libres. Ademas de reportajes deportivos, culturales, turisticos y de todo tipo, asi como del diario Boletin Informativo, Julian Antonio Ramirez fue el responsable, con Adelita del Campo, de la seccion Kiosco de periodicos, que varias veces a la semana pasaba revista a la prensa francesa para informarnos de lo que realmente ocurria en España, y de programas como Tribuna Juvenil, El correo del oyente, Alma de la cancion francesa, Tarjeta de visita, etc. Las voces inconfundibles de Adelita y de Julian pertenecen a la historia de España y a la historia de la Radio, y las podremos ahora volver a escuchar en el CD incluido en este libro, que recoge una seleccion de sus programas y entrevistas.

El Guernica de Pablo Picasso (Málaga 1881-Mougins 1973), encargado por el gobierno de la Segunda República para el pabellón de España en la Exposición Universal de París de 1937, muestra los ingredientes principales de la corrida mitica, en clave surrealista, que venia representando en los años inmediatamente anteriores. Los diversos actores, que andaban dispersos en oleos, dibujos y grabados, se reunen en un solo cuadro o, mas bien, en un escenario. No hay victimas ni verdugos, espectadores compasivos o testigos neutros, sino la ciega destruccion, el cobarde fuego aniquilador, que ataca a la naturaleza misma de la vida, eliminando las barreras que separan el inconsciente profundo de la opaca realidad objetiva. Encuadernacion: rustica.

Los arquitectos y artistas han imitado la apariencia y la estructura de las colmenas tradicionales, o el panal con los alveolos hexagonales, y también ha sido importante el modelo de la colmena racional. Muchas metaforas se encabalgan y se modulan asi de forma gradual. Como si hicieramos un psicoanalisis de las formas y de las ideas: pequeños detalles reveladores pueden anunciar grandes pulsiones subterraneas.